Besouro Parabólico

The Lost Fingers - Billie Jean

2010-02-09T13:35:00.001-02:00

Galera conhecam o trabalho do grupo canadense “The Lost Fingers”.

A crítica rotulou a música deles de “gypsy jazz” . O nome do grupo foi inspirado por Django Reinhardt, que teve dois dedos inutilizados em um incêndio.

O disco “Lost in The 80s” (Segundo disco do grupo) é excelente, uma releitura de sucessos dos anos 80, tem o heavy de Bon Jovi, o balanço de Stevie Wonder, Michael Jackson, George Michael.

O instrumental é impressionante, só violoes e baixo, e o vocal é de um cantor de boates bêbado.

Cerveja Heineken

2010-01-29T15:03:00.001-02:00

Billy Idol - Dancing With Myself

2010-01-18T10:23:00.001-02:00

Billy Idol é o nome artístico do punk rocker William Albert Michael Broad, (Middlesex, 30 de novembro de 1955). Iniciou sua carreira musical como integrante do Bromley Contingent, um grupo de seguidores do Sex Pistols, que incluía membros do The Clash e Siouxsie and the Banshees. Billy uniu-se a Tony James (que depois foi para o Sigue Sigue Sputnik e Sisters of Mercy), ambos faziam parte da primeira formação da lendária e famosa banda punk Chelsea, logo depois deixaram o Chelsea e formaram a banda Generation X, cujo nome veio de um livro sobre a Cultura Rock da Juventude dos Anos 60. O Generation X que além do próprio Idol na guitarra e vocal, trazia Tony James no baixo e John Towe na bateria, estourou em Londres em 1979. Após três discos lançados, o grupo acaba em 1980 e já no ano seguinte, Billy Idol resolve investir em uma carreira solo. Mudou-se em definitivo para os Estados Unidos e ao lado do respeitadíssimo guitarrista Steve Stevens, lançou grandes hits como "Dancing With Myself", "Mony Mony", "White Wedding", "Rebel Yell", "Eyes Without a Face", "Flesh For Fantasy", "Sweet Sixteen", "Don't Need a Gun" e "Cradle Of Love".

Em 19 de janeiro de 1991, Billy Idol fez a sua primeira apresentação no Brasil, na segunda edição do Rock In Rio. A sua apresentação foi decidida em cima da hora. Praticamente a única opção encontrada pela produção para substituir Robert Plant (ex-Led Zeppelin), que tinha cancelado, na véspera, a sua apresentação. A jusificativa: a Guerra do Golfo. Mas, Idol não deixou a desejar e protagonizou uma das melhores apresentações daquele festival.

O cantor permaneceu um longo tempo em silêncio na década de 90, onde lançou apenas o álbum "Cyberpunk". Em 2002, ele gravou o acústico “Storytellers” para o canal de TV norte-americano VH-1 e em 2005 volta as paradas com o álbum Devil's Playground.

Em 2008 lançou o CD e DVD "The Very Best Of Billy Idol: Idolize Yourself". Uma coletânia dos principais sucessos e duas faixas novas, John Wayne e New Future Weapon.

Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Billy_Idol

Festival Woodstock: caixa comemorativa reúne seis discos

2009-08-25T13:09:00.005-03:00

A comemoração pelos 40 anos do Woodstock, um dos mais importantes festivais da música pop da história, não passará em branco. No dia 18 de agosto a Rhino Records lançará uma supercaixa especial contendo 77 canções, sendo que 38 delas são registros inéditos em disco.

O pacote recebeu o nome de ‘Woodstock - 40 Years On: Back to Yasgur’s Farm’ e terá faixas extraídas dos três dias de shows, seguindo a ordem em que cada uma das atrações se apresentou. Além disso, um livreto contará a história do lendário evento, realizado em 1969.

Entre o material inédito estão as canções ‘Coming Into Los Angeles’ (Arlo Guthrie) e ‘Theme For an Imaginary Western’ (Mountain). Ambas tiveram gravações oriundas de outros shows incluídas no disco original de Woodstock, por conta da qualidade de áudio na época. Além disso, três nomes que ficaram de fora da compilação (Ten Years After, The Band e Keef Hartley) entrarão em ‘Woodstock - 40 Years On: Back to Yasgur’s Farm’.

Confira o conteúdo de cada um dos discos dessa caixa especial:

Disco 1

01. Handsome Johnny - Richie Havens
02. Freedom (Motherless Child) - Richie Havens
03. Look Out - Sweetwater
04. Two Worlds - Sweetwater
05. Jennifer - Bert Sommer
06. And When It’s Over - Bert Sommer
07. Smile - Bert Sommer
08. Hang On to a Dream - Tim Hardin
09. Simple Song of Freedom - Tim Hardin
10. Raga Puriya-Dhanashri/Gat In Sawarital - Ravi Shankar
11. Momma Momma - Melanie
12. Beautiful People – Melanie
13. Birthday of the Sun - Melanie
14. Coming Into Los Angeles - Arlo Guthrie
15. Wheel of Fortune - Arlo Guthrie
16. Every Hand in the Land - Arlo Guthrie

Disco 2

01. Joe Hill - Joan Baez
02. Sweet Sir Galahad - Joan Baez
03. Hickory Wind - Joan Baez
04. Drug Store Truck Drivin’ Man (com Jeffrey Shurtleff) - Joan Baez
05. They Live the Life- Quill
06. That’s How I Eat - Quill
07. Donovan’s Reef - Country Joe McDonald
08. The Fish Cheer/I-Feel-Like-I’m-Fixin’-To-Die Rag - Country Joe McDonald
09. Persuasion - Santana
10. Soul Sacrifice - Santana
11. How Have You Been - John Sebastian
12. Rainbows All Over Your Blues - John Sebastian
13. I Had a Dream - John Sebastian
14. The Letter - Incredible String Band
15. When You Find Out Who You Are - Incredible String Band

Disco 3

01. Going Up the Country - Canned Heat
02. Woodstock Boogie - Canned Heat
03. Blood of the Sun - Mountain
04. Theme For an Imaginary Western - Mountain
05. For Yasgur’s Farm - Mountain
06. Green Acid Advice - Jerry Garcia and Country Joe McDonald
07. Dark Star - Grateful Dead
08. Green River - Creedence Clearwater Revival
09. Bad Moon Rising - Creedence Clearwater Revival
10. I Put a Spell On You - Creedence Clearwater Revival

Disco 4

01. Work Me, Lord - Janis Joplin
02. Ball and Chain - Janis Joplin
03. Medley: Dance To The Music/Music Lover/I Want to Take You Higher - Sly & the Family Stone
04. Amazing Journey - The Who
05. Pinball Wizard - The Who
06. We’re Not Gonna Take It - The Who
07. The Other Side of This Life - Jefferson Airplane
08. Somebody to Love - Jefferson Airplane
09. Won’t You Try/Saturday Afternoon - Jefferson Airplane
10. Volunteers - Jefferson Airplane

Disco 5

01. Feelin’ Alright - Joe Cocker
02. Let’s Go Get Stoned - Joe Cocker
03. With a Little Help From My Friends - Joe Cocker
04. Rock & Soul Music - Country Joe & the Fish
05. Love - Country Joe & the Fish
06. Not So Sweet - Country Joe & the Fish
07. Summer Dresses - Martha Lorraine
08. Silver and Gold - Martha Lorraine
09. Rock & Soul Music (Reprise) - Martha Lorraine
10. Leland Mississippi Blues - Johnny Winter
11. Mean Town Blues - Johnny Winter
12. You’ve Made Me So Very Happy - Blood, Sweat & Tears

Disco 6

01. Suite: Judy Blue Eyes - Crosby, Stills & Nash
02. Guinnevere - Crosby, Stills & Nash
03. Marrakesh Express - Crosby, Stills & Nash
04. 4 + 20 - Crosby, Stills & Nash
05. Sea of Madness - Crosby, Stills, Nash & Young
06. Wooden Ships - Crosby, Stills, Nash & Young
07. No Amount of Loving - Butterfield Blues Band
08. Love March - Butterfield Blues Band
09. Everything’s Gonna Be Alright - Butterfield Blues Band
10. Get a Job - Sha Na Na
11. At the Hop - Sha Na Na
12. Get a Job (Reprise) - Sha Na Na
13. The Star Spangled Banner - Jimi Hendrix
14. Purple Haze - Jimi Hendrix
15. Woodstock Improvisation - Jimi Hendrix

Fonte: http://guitarplayer.uol.com.br/noticias/ultimas.asp?id=2473

Festival de Woodstock - 40 Anos

2009-08-24T08:59:00.016-03:00

O Woodstock Music & Art Fair (informalmente chamado de Woodstock ou Festival de Woodstock) foi um festival de música anunciado como "Uma Exposição Aquariana: 3 Dias de Paz & Música", organizado na fazenda de 600 acres de Max Yasgur na cidade rural de Bethel, no estado de Nova York, Estados Unidos. Foi realizado entre os dias 15 de agosto e 18 de agosto de 1969. Originalmente, o festival deveria ocorrer na pequena cidade de Woodstock, também estado de Nova Iorque, onde moravam músicos como Bob Dylan, mas a população não aceitou, o que levou o evento para a pequena Bethel, a uma hora e meia de distância.

O festival exemplificou a era hippie e a contracultura do final dos anos 1960 e começo de 70. Trinta e dois dos mais conhecidos músicos da época apresentaram-se durante um chuvoso fim de semana defronte a meio milhão de espectadores. Apesar de tentativas posteriores de emular o festival, o evento original provou ser único e lendário, reconhecido como uma dos maiores momentos na história da música popular.

O evento foi capturado em um documentário lançado em 1970, Woodstock, além de uma trilha-sonora com os melhores momentos.

História

O Festival de Woodstock surgiu dos esforços de Michael Lang, John P. Roberts, Joel Rosenman e Artie Kornfeld. Roberts e Rosenman, que entrariam com as finanças, colocaram um anúncio sob o nome de Challenge International, Ltd., no New York Times e no Wall Street Journal ("Jovens com capital ilimitado buscam oportunidades de investimento legítimas e interessantes e propostas de negócios"). Lang e Kornfeld responderam o anúncio, e os quatro reuniram-se inicialmente para discutir a criação de um estúdio de gravação em Woodstock, mas a idéia evoluiu para um festival de música e artes ao ar livre.

Mesmo considerado um investimento arriscado, o projeto foi montado tendo em vista retorno financeiro. Os ingressos passaram a ser vendidos em lojas de disco e na área metropolitana de Nova York, ou via correio através de uma caixa postal. Custavam 18 dólares (aproximadamente 75 dólares em valores atuais), ou 24 dólares se adquiridos no dia. Aproximadamente 186,000 ingressos foram vendidos antecipadamente, e os organizadores estimaram um público de aproximadamente 200,000 pessoas. Não foi isso que aconteceu, no entanto. Mais de 500,000 pessoas compareceram, derrubando cercas e tornando o festival um evento gratuito.

Este influxo repentino provocou congestionamentos imensos, bloqueando a Via Expressa do Estado de Nova York e eventualmente transformando Bethel em "área de calamidade pública". As instalações do festival não foram equipadas para providenciar saneamento ou primeiros-socorros para tal multidão, e centenas de pessoas se viram tendo que lutar contra mau tempo, racionamento de comida e condições mínimas de higiene.

Embora o festival tenha sido reconhecidamente pacífico, dado o número de pessoas e as condições envolvidas, houve duas fatalidades registradas: a primeira resultado de uma provável overdose de heroína, e a outra após um atropelamento de trator. Houve também dois partos registrados (um dentro de um carro preso no congestionamento e outro em um helicóptero), e quatro abortos.

Ainda assim, em sintonia com as esperanças idealísticas dos anos 60, Woodstock satisfez a maioria das pessoas que compareceram. Mesmo contando com uma qualidade musical excepcional, o destaque do festival foi mesmo o retrato comportamental exibido pela harmonia social e a atitude de seu imenso público.

Apresentações

Trinta e duas apresentações foram realizadas ao longo dos quatro dias do evento:

Sexta-feira, 15 de agosto

Richie Havens;
Swami Satchidananda - deu a invocação para o festival;
Sweetwater
The Incredible String Band;
Bert Sommer;
Tim Hardin;
Ravi Shankar;
Melanie;
Arlo Guthrie;
Joan Baez.

Sábado, 16 de agosto

Quill, quarenta minutos para quatro músicas;
Keef Hartley Band;
Country Joe McDonald;
John Sebastian;
Santana;
Canned Heat;
Mountain;
Grateful Dead;
Creedence Clearwater Revival;
Janis Joplin com The Kozmic Blues Band;
Sly & the Family Stone
The Who começou às 4 da manhã, dando início a um conjunto de 25 músicas, incluindo Tommy;
Jefferson Airplane.

Domingo, 17 de agosto para Segunda, 18 de agosto

The Grease Band;
Joe Cocker;
Country Joe and the Fish;
Ten Years After;
The Band;
Blood, Sweat & Tears;
Johnny Winter featuring his brother, Edgar Winter;
Crosby, Stills & Nash;
Neil Young;
Paul Butterfield Blues Band;
Sha-Na-Na;
Jimi Hendrix.

Apresentações Canceladas

The Jeff Beck Group estava agendado para tocar no festival, mas cancelou pois a banda acabou uma semana antes.

Iron Butterfly ficaram presos no aeroporto.

A banda canadense Lighthouse estava certa de que tocaria no festival, mas, no final, acabaram decidindo por não tocar, pois temeram que aquilo fosse uma cena ruim para a banda. Mais tarde, alguns membros do grupo disseram que se arrependeram da decisão.

Convites Negados

A banda Led Zeppelin foi chamada para tocar no festival, mas o empresário da banda, Peter Grant, afirmou: "Nós fomos chamados para tocar em Woodstock e a gravadora (Atlantic) estava bastante entusiasmada, e Frank Barsalona (o promotor) também. Porém eu disse não pois em Woodstock nós seríamos apenas outra banda na parada". Em vez disso, o grupo foi para uma turnê de mais sucesso.

The Doors foi considerada uma banda com grande performance, tinham bastante potencial, mas cancelaram a apresentação em cima da hora. Ao contrário do que muitos pensam, esta ocorrência não está relacionada ao fato de o vocalista, Jim Morrison, ter sido preso por postura indecente em um show anteriormente. O cancelamento do show se deu ao fato de que Morrison sabia que a sua voz soaria repugnante por estar ao ar livre. Há também a idéia de que Morrison, em um momento de paranóia, estava com medo que alguém atirasse nele e o matasse quando o mesmo pisasse no palco. No entanto, o baterista John Densmore compareceu no festival; no filme, ele pode ser visto ao lado do palco durante a apresentação de Joe Cocker, quando esse cantava o hino lisérgico "Let's Go Get Stoned".

Os promotores entraram em contato com John Lennon, pedindo para que os The Beatles tocassem no festival. Lennon disse que os Beatles não tocariam no festival a não ser se a Plastic Ono Band, da Yoko Ono, também pudesse tocar. Os promotores o recusaram.

Frank Zappa e The Mothers of Invention afirmaram: "Muita lama lá em Woodstock. Nós fomos convidados para tocar lá, mas recusamos" - Frank Zappa.

Outras Edições

Para comemorar os 25 anos do superevento, 250 mil pessoas se reuniram no Woodstock '94, em Saugerties, a 135 km de Nova York. Pagaram 135 dólares para ouvir 40 bandas, entre eles o Nine Inch Nails, Aerosmith, Metallica, Green Day, Red Hot Chili Peppers e músicos como Peter Gabriel, Carlos Santana e Joe Cocker.Outra edição ocorreu em 1999, destruindo a reputação do "Festival da Paz e do Amor" devido à violência e tumultos supostamente incentivados por bandas como Limp Bizkit, Insane Clown Posse e Kid Rock.

Imitações Brasileiras

O Brasil também tentou emular a aura hippie. Em 1971, na cidade de Guarapari, foi realizado o "Festival de Verão de Guarapari", que, devido a falta de verbas dos organizadores foi um fracasso retumbante....

Já em janeiro de 1975, na Fazenda Santa Virgínia, em Iacanga, interior de São Paulo, aconteceu o primeiro "Festival de Águas Claras", também anunciado como o pretenso "Woodstock Brasileiro".

Curiosidades

Max Yasgur (15 de Dezembro de 1919 - 9 de Fevereiro de 1973) foi o dono da fazenda em Bethel, Nova York, onde ocorreu o festival em 1969.

A banda Grateful Dead tocou durante a chuva. Alguns membros da banda tomaram choques durante a sua apresentação e Phil Lesh (o baixista) ouviu o rádio de transmissão de um helicóptero através do amplificador de seu baixo enquanto tocava.

The Doors inicialmente concordaram em tocar pois acharam que o festival fosse ocorrer no Central Park, mas decidiram ir contra a idéia quando souberam que o festival ocorreria em uma fazenda isolada da cidade.

Jimi Hendrix estava agendado para tocar no domingo, mas, pelas ocorrências inesperadas, acabaram por tocar na manhã de segunda-feira, quando restavam apenas 35.000 pessoas.

Apesar do festival ter abrangido uma multidão de 500.000 pessoas, apenas 200 pessoas foram presas no local por ofensas, mesmo estando sob os efeitos incontestáveis das drogas.

Foram documentadas apenas duas mortes no festival: uma pessoa morreu de overdose de drogas, a segunda pessoa morreu ao ser atropelada por um trator enquanto dormia no campo. Algumas fontes afirmam que há uma terceira morte, devido a uma apendicite, mas isso ainda não foi provado.

Fonte: http://.pt.wikipedia.org/wiki/Festival_de_Woodstock

Jorge Luis Borges

2009-08-12T11:16:00.001-03:00

REMORSO POR QUALQUER MORTE

Livre da memória e da esperança,

ilimitado, abstrato, quase futuro,

o morto não é um morto: é a morte.

Como o Deus dos místicos,

de Quem devem negar-se todos os predicados,

o morto ubiquamente alheio

não é senão a perdição e ausência do mundo.

Tudo dele roubamos,

não lhe deixamos nem uma cor nem uma sílaba:

aqui está o pátio que já não compartilham seus olhos,

ali a calçada onde sua esperança espreitava.

Até o que pensamos poderia estar pensando ele também;

repartimos como ladrões

o caudal das noites e dos dias.

foda-se

2009-08-04T13:15:00.002-03:00

Estou de saco cheio da cara de lula, obama, Sarkozy e chaves. Odeio circo!

Morfina para aguentar a dor do tédio...

2009-07-31T11:20:00.004-03:00

Estou com o braço quebrado e sem o mínimo saco para escrever com apenas uma mão. Então vai um texto catado da internet mesmo e foda-se.

Morphine - “The Night”
Por Eduardo Palandi

Dia 3 de julho completou-se dez anos da morte do líder do Morphine, o baixista e vocalista Mark Sandman. Não conhecia a banda à época, apesar de lembrar vividamente de seu obituário na “Showbizz”, e até hoje conheço sua trajetória pela metade. É estranho falar de algo que só se conhece pela metade. Bem estranho. Ainda faltam coisas na minha relação com o Morphine: tirando por algumas músicas mais famosas, nada conheço dos discos da banda. Mas com o último deles, “The Night”, a coisa muda: sei cada acorde dele, vejo cada imagem que as letras das músicas me projetam, tenho até teorias sobre algumas de suas músicas, como você vai ver abaixo.

Sandman não viu o lançamento do disco: o trabalho foi finalizado poucas semanas antes de seu falecimento, e lançado em 2000. Comprei a minha cópia na também finada Nuvem Nove, loja de CDs no Itaim Bibi (São Paulo) que teve grande importância na minha vida e também na do proprietário desta página. E, apesar dos dois óbitos, “The Night” é um dos discos da minha vida. Ele começa com a faixa-título, uma declaração de amor daquelas que morreram com o século XX. Ela é a possibilidade, é tudo que ele não consegue ver, e só lhe resta esperar que ela o esteja aguardando. O sax está diferente dos discos anteriores, mais tranquilo. Em “So Many Ways”, logo depois, uma história cruza a minha cabeça: essa música me dá a impressão de que o narrador não é Mark Sandman, mas… Ferris Büeller. É, aquele mesmo do “Curtindo a Vida Adoidado”, mas uns vinte anos depois, já quarentão e separado da namoradinha do colégio, Sloane (com quem se casou, nessa história imaginária) e tentando voltar a aprontar como naquela tarde em Chicago.

A cada vez que o cantor do Morphine convida para a dança (”shake it!”, pede), imagino Ferris querendo fazer alguma gatinha dançar, o mesmo acontecendo a cada “hey, what about this?”. Não sei de onde tirei isso, mas tenho essa imagem bem vívida na minha cabeça. Em “Souvenir” ela desaparece, com Mark Sandman falando à garota que se lembra de tê-la encontrado, que os dois estavam mal, que ela lhe deu um ânimo… mas que não lembra o nome dela. E o esquecimento, diz ele, é como ter deixado um souvenir cair no chão. Há um belo solo de sax no terceiro minuto, bem livre e lírico, que abre caminho para a suingada “Top floor, bottom buzzer”, cheia de gritinhos e de backing vocals femininos. Ferris Büeller parece voltar nessa música, em que o protagonista é convidado para uma festinha cheia de gatas. Não sei você, mas eu consigo imaginar o Matthew Broderick narrando a cena da letra:

Priscilla’s in the kitchen, she’s mixing drinks
She’s mixing one for me, I think
And one for Mary Ellen and one for Jane
Priscilla, she knows how to use a shaker
She doesn’t get up as early as a baker, uh huh

There’s a muchacha teaching me to mambo
There’s my buddy Pete eying a bowl of combos
Ramona and a man do a tango dip
Cheek to cheek, hip to hip, come on

No final da festa ainda rola um Al Green, diz o narrador, e a canção acaba, sem que saibamos se Ferris terminou a noite acompanhado, mas Sandman parece ter se entendido com uma garota, que tem até nome: Martha Lee. Em “Like a Mirror”, a voz dele a dela vão duelando até que, apaixonado, ele pede: “deixe seu mundo e junte-se a mim logo (…) eu conheço um navio que parte logo, nessa tarde, na verdade: não esqueça seu paraquedas, eu estarei lá para te pegar”. Tudo isso com uma batida sincopada e um sax estilo Al Green, como na saída da festa.

“A Good Woman Is Hard To Find” parodia no título um conto de Flannery O’Connor, mas os serial killers do texto da americana dão lugar a “uma mulher dos diabos, de uma cidade dos diabos” que brinca com Sandman como se ele fosse um tamborim e o levou até a igreja, onde rezou até doer. Ele fica pensando o dia todo: será que dá para se achar uma boa mulher? (nota do autor: Mark, eu continuo tentando).

Na minha cabeça, essa é a ressaca que Ferris está sentindo depois da festinha narrada em “Top Floor, Bottom Buzzer”. Será que ele vai ligar para Sloane? Mas Ferris desaparece depois de “A Good Woman Is Hard To Find”, deixando minha cabeça livre para ouvir “Rope on Fire”, cujos violoncelos e bandolins pronunciados adicionam uma sensualidade única. Em “I’m Yours, You’re Mine”, o cantor do Morphine fala sobre fazer de tudo para limpar o caminho e ficar junto com seu amor: vai remar o barco através do lago, partir galhos com as mãos, tirar as minas terrestres da trilha. Romântico? Pode ser, mas parece que a forma como os dois se conheceram não foi tanto assim, como ele admite a seguir, em “The Way We Met”.

“Não há história bonitinha que contamos juntos, rindo e completando as frases um do outro”, foi tudo por acidente, como com todo mundo. Mas Sandman constata que, a despeito disso, deu certo: os dois acordaram na cama, fizeram dos gritos um despertador, fecharam as portas e janelas encostando as cadeiras e ficaram juntos, tentando se aquecer. Ou seja: foi romântico sim… mas não do jeito convencional.

A décima música, “Slow Numbers”, é um convite aos amassos: na letra, ele vai brincando com o fato de que nenhum número lhe significa grande coisa, ao mesmo tempo em que o baixo, o sax e a bateria vão desacelerando e criando o clima. “On the elevator, no thirteen floor, goin’up, goin’up, goin’up”, ele chama, enquanto sacaneia os números de zero a nove por estarem sozinhos. E em “Take Me With You”, a derradeira declaração de Mark Sandman, convidando seu amor a sair de uma cidade que não lhe dava nada – e a levá-lo junto: “você quer queimar pontes? / eu te ajudo a abrir fogo / você quer desaparecer? / tenho o manual bem aqui”. E termina o disco pedindo para ela levá-lo consigo, pois não consegue viver sem ela.

Só fui ouvir “The Night” um ano depois que o comprei, quando o levei para escutar no carro. Desde então, ele não saiu mais de lá: é meu fiel companheiro das madrugadas, é o amigo bêbado que me escuta e que, ao invés de querer que eu vá logo dormir, me serve onze doses de poesia, sob a forma de suas onze canções. E é daqueles discos de fazer chorar, por dois motivos: primeiro, por sua beleza ímpar; segundo, pela lembrança de que Mark Sandman não teve tempo de desfrutá-lo. Nessas horas, soa ainda mais incrível recordar que o líder do Morphine nos deixou no palco. No país mais romântico do mundo, a Itália. Fulminado por um ataque cardíaco. Talvez ouvir “The Night” faça mais sentido com um estetoscópio do que com fones de ouvido…

Ah, e depois tem um ao vivo em Detroide que é fodaço. Confira!

Outros discos correlacionados com a banda

Valeu Michael

2009-07-09T13:32:00.001-03:00

2009-06-29T21:44:00.002-03:00

O CORVO *
(de Edgar Allan Poe)

Numa meia-noite agreste, quando eu lia, lento e triste,
Vagos, curiosos tomos de ciências ancestrais,
E já quase adormecia, ouvi o que parecia
O som de algúem que batia levemente a meus umbrais.
"Uma visita", eu me disse, "está batendo a meus umbrais.
É só isto, e nada mais."

Ah, que bem disso me lembro! Era no frio dezembro,
E o fogo, morrendo negro, urdia sombras desiguais.
Como eu qu'ria a madrugada, toda a noite aos livros dada
P'ra esquecer (em vão!) a amada, hoje entre hostes celestiais -
Essa cujo nome sabem as hostes celestiais,

Mas sem nome aqui jamais!

Como, a tremer frio e frouxo, cada reposteiro roxo
Me incutia, urdia estranhos terrores nunca antes tais!
Mas, a mim mesmo infundido força, eu ia repetindo,
"É uma visita pedindo entrada aqui em meus umbrais;
Uma visita tardia pede entrada em meus umbrais.

É só isto, e nada mais".

E, mais forte num instante, já nem tardo ou hesitante,
"Senhor", eu disse, "ou senhora, decerto me desculpais;
Mas eu ia adormecendo, quando viestes batendo,
Tão levemente batendo, batendo por meus umbrais,
Que mal ouvi..." E abri largos, franqueando-os, meus umbrais.

Noite, noite e nada mais.

A treva enorme fitando, fiquei perdido receando,
Dúbio e tais sonhos sonhando que os ninguém sonhou iguais.
Mas a noite era infinita, a paz profunda e maldita,
E a única palavra dita foi um nome cheio de ais -
Eu o disse, o nome dela, e o eco disse aos meus ais.

Isso só e nada mais.

Para dentro estão volvendo, toda a alma em mim ardendo,
Não tardou que ouvisse novo som batendo mais e mais.
"Por certo", disse eu, "aquela bulha é na minha janela.
Vamos ver o que está nela, e o que são estes sinais."
Meu coração se distraía pesquisando estes sinais.

"É o vento, e nada mais."

Abri então a vidraça, e eis que, com muita negaça,
Entrou grave e nobre um corvo dos bons tempos ancestrais.
Não fez nenhum cumprimento, não parou nem um momento,
Mas com ar solene e lento pousou sobre os meus umbrais,
Num alvo busto de Atena que há por sobre meus umbrais,

Foi, pousou, e nada mais.

E esta ave estranha e escura fez sorrir minha amargura
Com o solene decoro de seus ares rituais.
"Tens o aspecto tosquiado", disse eu, "mas de nobre e ousado,
Ó velho corvo emigrado lá das trevas infernais!
Dize-me qual o teu nome lá nas trevas infernais."

Disse o corvo, "Nunca mais".

Pasmei de ouvir este raro pássaro falar tão claro,
Inda que pouco sentido tivessem palavras tais.
Mas deve ser concedido que ninguém terá havido
Que uma ave tenha tido pousada nos meus umbrais,
Ave ou bicho sobre o busto que há por sobre seus umbrais,

Com o nome "Nunca mais".

Mas o corvo, sobre o busto, nada mais dissera, augusto,
Que essa frase, qual se nela a alma lhe ficasse em ais.
Nem mais voz nem movimento fez, e eu, em meu pensamento
Perdido, murmurei lento, "Amigo, sonhos - mortais
Todos - todos já se foram. Amanhão também te vais".

Disse o corvo, "Nunca mais".

A alma súbito movida por frase tão bem cabida,
"Por certo", disse eu, "são estas vozes usuais,
Aprendeu-as de algum dono, que a desgraça e o abandono
Seguiram até que o entono da alma se quebrou em ais,
E o bordão de desesp'rança de seu canto cheio de ais

Era este "Nunca mais".

Mas, fazendo inda a ave escura sorrir a minha amargura,
Sentei-me defronte dela, do alvo busto e meus umbrais;
E, enterrado na cadeira, pensei de muita maneira
Que qu'ria esta ave agoureia dos maus tempos ancestrais,
Esta ave negra e agoureira dos maus tempos ancestrais,

Com aquele "Nunca mais".

Comigo isto discorrendo, mas nem sílaba dizendo
À ave que na minha alma cravava os olhos fatais,
Isto e mais ia cismando, a cabeça reclinando
No veludo onde a luz punha vagas sobras desiguais,
Nauqele veludo one ela, entre as sobras desiguais,

Reclinar-se-á nunca mais!

Fez-se então o ar mais denso, como cheio dum incenso
Que anjos dessem, cujos leves passos soam musicais.
"Maldito!", a mim disse, "deu-te Deus, por anjos concedeu-te
O esquecimento; valeu-te. Toma-o, esquece, com teus ais,
O nome da que não esqueces, e que faz esses teus ais!"

Disse o corvo, "Nunca mais".

"Profeta", disse eu, "profeta - ou demônio ou ave preta!
Fosse diabo ou tempestade quem te trouxe a meus umbrais,
A este luto e este degredo, a esta noite e este segredo,
A esta casa de ância e medo, dize a esta alma a quem atrais
Se há um bálsamo longínquo para esta alma a quem atrais!

Disse o corvo, "Nunca mais".

"Profeta", disse eu, "profeta - ou demônio ou ave preta!
Pelo Deus ante quem ambos somos fracos e mortais.
Dize a esta alma entristecida se no Édem de outra vida
Verá essa hoje perdida entre hostes celestiais,
Essa cujo nome sabem as hostes celestiais!"

Disse o corvo, "Nunca mais".

"Que esse grito nos aparte, ave ou diabo!", eu disse. "Parte!
Torna á noite e à tempestade! Torna às trevas infernais!
Não deixes pena que ateste a mentira que disseste!
Minha solidão me reste! Tira-te de meus umbrais!
Tira o vulto de meu peito e a sombra de meus umbrais!"

Disse o corvo, "Nunca mais".

E o corvo, na noite infinda, está ainda, está ainda
No alvo busto de Atena que há por sobre os meus umbrais.
Seu olhar tem a medonha cor de um demônio que sonha,
E a luz lança-lhe a tristonha sombra no chão há mais e mais,

Libertar-se-á... nunca mais!

*Versão de Fernando Pessoa, o poeta

2009-06-03T10:06:00.002-03:00

Minha vida está um embate dadaísta.

UM GRANDE FODA-SE!

"Não mais pintores, não mais literatos, não mais músicos, não mais escultores, não mais religiões, não mais imperialistas, não mais anarquistas, não mais socialistas, não mais bolcheviques, não mais políticos, não mais proletários, não mais democratas, não mais burgueses, não mais aristocratas, não mais exército, não mais polícia, não mais pátrias, enfim chega de todas estas imbecilidades, mais nada, mais nada, nada, nada".

Zappa purinho...
Meio Walter Franco, ou Uakiti (Download) até.
Ou não...
Um quase Walter Smetak( Download),
meio Zé Rodrix ((1974) Quem sabe sabe)
HermetoPascoal (Download Audio), Djalma Correa (Download), Tom Zé (Download).
Ou talvez, quem sabe,
por via das dúvidas
um, quando inspirado, Arrigo Barnabé (Download);

DOWNLOAD!
(

2009-05-31T17:12:00.002-03:00

Final de sema com jogatina, muita cerveja e Social Distortion...

Foi perfeito!

parte01 - parte02 - parte03
parte04 - parte05 - parte06
parte07 - parte08

Senha:PunchDrunk

Rock Bar

2009-05-28T22:59:00.003-03:00

É D'Isep, para montarmos esse Rock Bar em Ponta da Fruta a gente tem que pensar nas atrações: Rinha de galo; guerra na lama; várias bebidas loucas; um belo banheiro e um atendimento vip.

Eu tenho fé que dará certo!

HC com chopp escuro

2009-05-15T15:06:00.005-03:00

Há um bom tempo não me empolgo com uma banda Hard Core. Mas desde que conheci Dropkick Murphys – evidentemente no filme “Os infiltrados” -, venho acompanhando o som dos caras. É empolgante e jovial, não trás nada de novo, mas tem força própria. Os caras misturam Punk Oi, HC, e músicas tipicamente bretãs, sobretudo da Escócia e Irlanda. E o mais legal é que a banda parece estar inserida na comunidade de Boston EUA. É fácil ver crianças e velhinhos cantarolando belos hinos irlandeses com o punch do Hard Core. Outra característica, típica do HC, que percebe-se no DKM é a quantidade de gente participando subindo, cantando junto e pulando do palco. Uma boa dica para ouvir tomando um porre de chopp escuro.

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A senha é: Punchdrunk

2009-03-12T11:36:00.001-03:00

Filosofia de Monsueto

2009-03-10T12:15:00.003-03:00

Sambista, cantor, compositor, instrumentista, pintor e ator, Monsueto nasceu no Rio de Janeiro, na Gávea e foi morar no morro do Pinto, no dia 4 de novembro de 1924. Com menos de três anos ficou órfão de mãe e pai e foi criado pela avó e por uma tia. Na adolescência, trabalhou como guardador de carros no Jockey Club.

Estudou até o quinto ano primário. Aos 15 anos, já tocava em baterias de escola de samba e aos 17 começou a trabalhar como baterista free lancer em bailes de gafieira e cabarés. Prestou serviço militar no Forte de Copacabana e ao sair casou-se com Maria Aparecida Carlos, indo morar em Vieira Fazenda, subúrbio carioca. Lá, abriu uma tinturaria, a exemplo de seu irmão Francisco, que também fora proprietário de uma tinturaria na qual chegou a trabalhar. Apesar de ter seu próprio negócio, continuou tocando na noite, freqüentando os pontos de encontro de músicos, principalmente nas redondezas do Teatro João Caetano. Teve seis filhos.

Morreu em 17 de fevereiro de 1973. Passou pelas mais diversas escolas de samba, mas nunca possuiu um vínculo com nenhuma.

O “Mora na filosofia dos sambas de Monsueto” foi lançado em 1962 pela Odeon e é composto praticamente por pout-pourris. Este formato pout-pourri deu um charme maior ao disco, pois os sambas do Monsueto tem um estilão de samba-enrredo na sua execução, lembrando muito uma bateria de escola de samba (a primeira música, instrumental, já entrega isso). São elas:

Mora na Filosofia dos Sambas de Monsueto

01 - Bateria e Solo de Percussão

02 - Mora na Filosofia / Couro do Falecido

03 - Tá pra Acontecer - Levou Fermento

04 - Me Empresta Teu Lenço / Me Deixa em Paz

05 - Rua Dom Manuel / Senhor Juiz

06 - A Fonte Secou

07 - Copacabana de Tal / Este Samba tem Parada

08 - Água e Azeite / Na Menina dos Meus Olhos

09 - Lamento da lavadeira / Na Casa de Antônio Job

10 - No Molhado / Morfeu

11 - Segunda Lua-de-Mel / Fogo no Morro

12 - Eu Quero Essa Mulher Assim Mesmo

Discografia

• Nega Pompéia/Q. G. do samba (1955) Mocambo 78

• Prova real/Bola branca (1957) Copacabana 78

• Ajudai o próximo/Eu quero essa mulher assim mesmo (1961) Odeon 78

• Mora na Filosofia dos Sambas de Monsueto (1962) Odeon LP

• Chica da Silva/Mané João (1963) Odeon 78

• Sambamba/Retrato de Cabral (1963) Orion 78

• O sucesso está na cara/Larga o meu pé (1964) Monsueto 78

Uma biografia mais completa sobre Monsueto pode ser encontrada no Dicionário Cravo Albin da Música Popular Brasileira.

Nós vamos invadir sua praia

2009-03-05T21:27:00.000-03:00

Julio Caldeira
juliocaldeira@eshoje.com.br

Querem acabar com os quiosques. Aliás, querem eliminar a cervejinha à beira-mar e findar com o pagode, o batuque na mesa e os pés descalsos sambando descompromissados na areia. Dar fim à rara alegria coletiva e ao ganha pão dos desfavorecidos é o que querem. Olha que depois de Dorival Caymmi “quem não gosta de samba bom sujeito não é”.

Quais seriam os argumentos para acabar com os quiosques? Balneários mais limpos, bonitos e seguros? Quais seriam os critérios de limpeza, segurança e beleza? Mera estética sem valor cultural? Ou mero valor imobiliário sem estética cultural? Enfim, como diria Martinho da Vila, “batuque na cozinha sinhá não quer”.

“Tá legal, eu aceito o argumento, mas não me altere o samba tanto assim”, que Paulinho da Viola larga a Portela e vem como um velho marinheiro trazendo o barco no nevoeiro: bem devagar. Afinal, não está nada esclareceido. Ainda há uma imensa bruma de interesses sobrevoando as praias capixabas.

Quem pode nos responder o que aconteceu com as Três Praias em Guarapari? Será que farão o mesmo com a Ilha do Frade e do Boi, em Vitória - isolar a área? Quiosque para batuque não pode, mas exclusividade para hotel de luxo e mansões é permitido? Será que querem que o povo fique acuado no morro? Zé Keti já tem a sua opinião: “daqui do morro eu não saio não”. Viu sinhá, não precisa ter medo do batuque, pois, “daqui do morro dá pra ver tão legal o que acontece aí no seu litoral”. Acontece é que continuaremos indo à praia, e vamos de “ultraje a rigor”.

“Tratar a questão da violência só na parte policial é um grande equívoco”

2009-03-04T18:28:00.000-03:00

Julio Caldeira

juliocaldeira@eshoje.com.br

Em plena luz do dia, em um corriqueiro passeio à beira-mar, o que leva o cidadão? Cinco tiros. E o seu presente? A morte. É pertinente lembrar que, atualmente, nem mesmo a Segurança Pública capixaba pode mais andar no calçadão e tentar respirar um arzinho puro – se bem que em Camburi, por herança da Vale e da ArcelorMittal, ar puro é algo impossível, o que nos faz ter dúvidas de qual tragédia é a maior.

Porém é difícil aceitar que esta ainda seja uma das questões mais preocupantes em nossas vidas. Olha que o secretário de Segurança Pública do Estado, Rodney Rocha Murad, - depois de uma temporada em Brasília - vem trabalhando sério com relação a essa problemática. Assim como também o delegado chefe da Polícia Civil Júlio Cesar e o comandante da PM coronel Oberacy Emmerich - ambos, recém “Lobos de Temudjin” de Gengiskan.

Mas a maior questão, como bem disse Rodney, no passado é que “o problema do Brasil é de cultura. A gente se espanta com os crimes de sangue, mas ninguém fica indignado com a roubalheira dos ricos”. Mero engano senhor secretário. Todo crime revolta. E o cozer em banho-maria é o que mais deixa a população indignada. A coisa é muito mais profunda e nem um pouco delicada.

E como diria o sociólogo da Universidade de Brasília (UnB) Flávio Testa, o problema da segurança pública é estrutural e não existe uma fórmula para resolver, de imediato, a questão da violência no Brasil. Segundo ele “é impossível você corrigir um problema de desvio estrutural em menos de uma década. Se não começarmos a fazer isso imediatamente, com coordenação estratégica entre todos os poderes, nós não teremos um bom resultado para as próximas gerações”. Então imagine como ficará o mundo para seus filhos e netos, caro cidadão.

“Tratar a questão da violência só na parte policial é um grande equívoco”, como diria Rodney Miranda – ainda nos tempos de Feira de Caruaru. Porém, qual seria o caminho secretário? Não vai culpar a mídia novamente não né? Afinal, a segurança pública não deveria é ser traduzida como paz social?

Enquanto isso, para não sofrer é melhor cantar, pois como vovó já dizia: quem canta seus males espanta. “Na Feira de Caruaru, faz gosto a gente ver, de tudo que há no mundo, nela tem pra vender”. Eta Gonzagão danado.

O abismo entre o discurso e a prática

2009-02-25T09:48:00.001-03:00

*Julio Caldeira

A polícia está prendendo como nunca. Dos últimos quatro anos para cá é notória a atuação ostensiva das corporações capixabas. O Centro Integrado Operacional de Defesa Social (Ciodes) é um exemplo da intenção administrativa do governo estratégico de Paulo Hartung. Tão perfeito que deixaria Nicolau Maquiavel, escritor do clássico “O Príncipe”, com um discreto sorriso de mestre em sua delicada face. Ambos conhecem “de que modo se devam governar as cidades ou principados que, antes de serem ocupados, viviam com as suas próprias leis”.
Para Maquiavel, neste caso, existem três modos de governar: o primeiro é arruinando as cidades sem lei; o outro é ir habitá-la pessoalmente; e o terceiro é deixar com que as pessoas que lá vivem se destruam com sua própria não-lei, arrecadando um tributo e criando em seu interior um governo de poucos, que se conservam amigos. Qualquer semelhança é mera política.
Mas, voltando à segurança pública, há algum tempo tem se observado, aliás, logo após a força tarefa que passou pelo Espírito Santo, que o atual governo tem investido nesta questão. É nítida a presença de Rodney Rocha Miranda na estratégia de Hartung. Assim como também é inegável a evolução do secretário de Segurança Pública, que passou de um homem tímido, para braço “Lobo de Temudjin” do exército de Gengis Khan.
Com precisão e eficiência admiráveis, os guerreiros de Gengis Khan eram especialistas em emboscadas e ataques de surpresa. Já o capixaba, prefere a burocracia e as estimativas – tal qual na arte da guerra, de Sun Tzu -, ou seja, criar certas regras e impedimentos, em nome da política de segurança e seus estratagemas. Diferentemente, no exército mongol, os chefes faziam grande uso de patrulhas de reconhecimento e de movimentos sincronizados para atacar o inimigo em desvantagem.
Ainda não se sabe quais são os fins políticos do atual governo – aliás, se sabe, mas não se diz. Mas o importante é que os meios estão dando certo. Os bandidos estão sendo presos. As polícias estão sendo equipadas. E os presídios... Bem, eles estão superlotados e sem infra-estrutura. Instalados em locais inapropriados e recebendo a cada dia mais: presos que são capturados pelos “Lobos de Temudjin”.
Ou seja, o discurso da política de Segurança Pública do governo Hartung é imprescindível. E mais, a arte retórica é a base administrativa desta gestão, que aponta para um reinado de 20 ou 30 anos – afinal, o terreno já está preparado. Porém, em uma questão um pouco mais prática, a população do Espírito Santo quer saber: os senhores vão enfiar esses presos onde?

Symarip... ska-reggae de cabeça raspada

2009-02-19T11:22:00.003-03:00

Symarip: Moonstomp (Deluxe Edition 2008)

Disco 1

01 Skinhead Moonstomp
02 Phoenix City
03 Skinhead Girl
04 Try Me Best
05 Skinhead Jamboree
06 Chicken Merry
07 These Boots Are Made For Walkin
08 Must Catch A Train
09 Skin Flint
10 Stay With Him
11 Fung Shu
12 You're Mine
13 The Fit (AKA Wish)
14 Please Stay
15 Special Beat
16 Flour Dumpling
17 Equality
18 Mama Me Want Girl
19 Sentry
20 Soul Crash
21 Throw Me Things
22 There Goes My Heart
23 Bam Bam Baji

¡¡Descarga aquí Disco 1!!

Disco 2

01 Hold Him Joe
02 Tomorrow At Sundown
03 Parson's Corner (AKA Vindication)
04 Redeem
05 La Bella Jig
06 Holidays By The Sea
07 I'm A Puppet
08 Feel Alright
09 Telstar
10 Geronimo
11 To Sir With Love
12 Reggae Shuffle
13 All For You
14 Stingo
15 Mosquito Bite
16 Mother's Bath
17 Can't Leave Now
18 Teardrops
19 Stop The Train*
20 Black And White*
21 Lasting Treasure*
22 That's Nice*
23 Funky Broadway*

¡¡Descarga aquí Disco 2!!

Symarip (também conhecidos como The Pyramids, The Bees, Seven Letters e Zubaba) foi uma banda de ska e reggae do Reino Unido, formada no final dos anos 1960's.

Foi uma das primeiras bandas a terem skinheads como público principal, o que fez o estilo de música deles ficar conhecido como skinhead reggae. Não é a toa que os "hits" deles incluem músicas como "Skinhead Moonstomp", "Skinhead Girl" e "Skinhead Jamboree".

A banda mudou-se para a Alemanha em 1971 tocando Afro-rock e reggae sob o nome de Zubaba. Em 1980, o álbum "Skinhead Moonstomp" foi re-lançado durante a "segunda onda do ska" e alcançou as paradas britânicas pela primeira vez. A banda separou-se oficialmente em 1983.

Em Homenagem a Paulinho Ramone e Led!

Minha trilha sonora do verão!

2009-02-18T09:58:00.002-03:00

Track list:

01 - Stick shift. 2:31
02 - Travelin' guitars. 2:03
03 - Lover's satellite. 2:17
04 - Duel. 3:37
05 - Cha cha guitars. 3:37
06 - The Duals blues. 2:14
07 - Music appreciation. 2:38
08 - Beach party. 2:10
09 - Runnin' water. 2:20
10 - Rollin'. 2:07
11 - Henry's blues. 2:15
12 - Johnny's boogie. 2:41

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Surf music de primeira, sem frescura. Este disco é 1961, ou seja, ele foi feito no alge do rockabilly praiano. Sonzeira para ouvir cedinho, logo assim que abrir os olhos. Eu agarantio!

Early Reggae esquema

2009-02-17T19:50:00.002-03:00

Dennis Alcapone - Guns Don't Argue [1971]

01 - Guns Don't Argue
02 - It Must Come
03 - Ain't Too Proud To Beg
04 - Everybody Needs Love
05 - If It Don't Work Out
06 - Teacher Teacher
07 - Left With A Broken Heart
08 - You Got What It Takes
09 - World Wide Love
10 - Someone Dacing With My Girl

DOWNLOAD

Da série cartunistas brasileiros

2009-02-12T11:40:00.001-02:00

Da série cartunistas brasileiros

2009-02-06T09:05:00.007-02:00

Saquem o risco desse cara. É Rodrigo Rosa: nasceu em Porto Alegre, em 11 de junho de 1972. Cartunista, ilustrador e jornalista, formado pela PUC/RS, iniciou sua carreira profissional publicando tiras de quadrinhos no jornal Oi! Menino Deus, aos 14 anos. Anos mais tarde, integrou a Editoria de Arte do jornal Zero Hora, onde passou a se dedicar mais à arte da ilustração, tendo colaborado em obras de autores como Sérgio Caparelli (Os Meninos da Rua da Praia), Moacir Sclyar (Uma História Farroupilha), Carlos Urbim (O Negrinho do Pastoreio e Outras Lendas Gaúchas), Érico Veríssimo (Aventuras do Tibicuera), entre outros. Como cartunista, publicou charges e cartoons em diversos jornais e revistas, e conquistou mais de 20 prêmios em salões de humor no Brasil e exterior.

No mínimo respeito pô!

2009-02-04T20:43:00.001-02:00

Cinquenta reais. Este é o valor do reajuste do suor brasileiro, da injustiça e do disparate entre o homem comum proletário-assalariado e os nossos representantes políticos. Em 2008 vereadores, prefeitos, deputados e os “batutas” do judiciário tiveram aumentos exorbitantes. Enquanto nós...
A lógica é a de quem pode... Pode! E quem não pode... Se sacode. Quem é “cool” “chique”, “importante” ganha reajuste colossal. Enquanto o João Ninguém... Este - como diria o poeta-sambista Noel Rosa - “que não é velho nem moço, come bastante no almoço, para se esquecer do jantar...
Bom, em contrapartida, e por desaforo, faços as palavras de Noel as minhas: “João Ninguém não tem ideal na vida além de casa e comida, tem seus amores também e muita gente que ostenta luxo e vaidade não goza a felicidade que goza João Ninguém!”. A única diferença é que esse João trabalha e tem filho, e paga imposto e tem desgosto também.
Esse João também é José, é mero setor de fábrica, é Maria, é Lispector, Drummond. É o ente, o nada e o ser-aí. É todo o pensamento impróprio da ira social. É Marx, Hegel, Heidegger e nunca foi à Alemanha. Ainda mais agora que “a festa acabou, a luz apagou, o povo sumiu, a noite esfriou...”, como bem disse Carlos, ou eu, que sou sem nome, ou você, ou Drummond, ou Lispector, Maria, José... João... Ninguém.
Cinquenta reais. Esse é o valor do desrespeito para quem move o mundo!

Platão, Nietzsche e a modelo: por uma beleza fundamental

2009-01-26T19:57:00.000-02:00

Julio Caldeira*

A morte da modelo capixaba Mariana Bridi, que aos 20 anos morreu de infecção generalizada em razão de complicações por bactérias que lhe provocaram uma infecção urinária, que repercutiu inclusive no exterior. Põe a sociedade novamente a uma discussão: a supervalorização ao corpo.

São Corriqueiras e notórias as informações dos bastidores das vidas das modelos (símbolo pós-moderno da beleza). Casos de anorexia, bulimia e outros transtornos alimentares são comuns. Assim como também é ordinário saber que tais problemas acarretam na baixa da imunidade na saúde da pessoa – o que, evidentemente, não responde o porquê da causa da infecção sepse, que ocorreu na modelo capixaba, mas, chama a atenção para uma discussão sobre o culto à beleza.

Segundo o filósofo Platão de Atenas (427-347 a.C) nos diálogos de Fedão, na fundamentação do puro para uma compreensão ontológica – que estuda a natureza do ser, da realidade, da existência dos entes e das questões metafísicas-, o culto ao corpo se opõe à verdadeira importância: a sabedoria.

Fruto de uma valorização exagerada à aparência (baseada em certos padrões estéticos estimulados pela pressão social) o culto à beleza, é, para o filósofo, uma espécie de aprisionamento. Hoje, esta idealização massificada do belo faz com que o indivíduo se reduza a um objeto que só tem real valor dentro das regras e padrões preestabelecidos.

A questão que discutimos não é referente à mudança radical dos hábitos das pessoas. Ou seja, não é colocar a busca pela purificação fundamental da verdade, tal qual em Platão, mas, sim, avaliarmos o problema social que representa esse culto ao corpo, talvez próximo ao conceito do também filósofo, o alemão Friedrich Nietzsche (1844-1900).

Para ele o corpo é considerado o fio condutor para a análise de quaisquer questões filosóficas e o erro da filosofia tradicional foi a exclusão do corpo. Portanto, o corpo deve ser afirmado, pois se apresenta como uma vivência.

Essa analise, coloca o “conceito de corpo” na contemporaneidade e tem a intenção de demonstrar que, embora exista um apelo ao belo, esse corpo é tratado como coisa, ou seja, como mercadoria.

Enfim, por trás de um discurso favorável à beleza, à saúde e ao cuidado, permanentemente, estão ocultos interesses, sobretudo, o econômico. Portanto, segundo Nietzsche, no culto ao corpo, se revelam ideologias políticas, econômicas, éticas e estéticas.

A partir destas explanações, o que temos que avaliar como sociedade é: primeiramente, por qual motivo aceitamos o processo da ditadura do costume – a herança massificada da definição do que é belo; segundo, porque não questionamos a propagação desse valor distorcido. E, por fim, como saberemos qual é o equilíbrio entre o cuidar da mente e do corpo. A proposta é difícil, porém, necessária. E mais: é nossa função enquanto cidadão consciente.

The Rolling Stones...

2009-01-20T10:43:00.002-02:00

Rolling Stones: a história

Do JB Online

Em 1960, dois amigos de infância, Mick Jagger e Keith Richards, se reencontraram num trem de Dartford a caminho de Londres. Jagger levava discos de blues - que chamou a atenção de Keith. Era o início de uma união que geraria, em 1962, com Brian Jones e Bill Wyman, os 'Rolling Stones'. Um ano depois, Charlie Watts assumiu a bateria, completando a formação da banda. O rock inglês não seria mais o mesmo.

Ao lado dos Beatles, os Stones foram o grupo mais importante da chamada 'Invasão Britânica' dos anos 60, que projetou os artistas ingleses nas paradas americanas. Influenciados pelo blues, eram (e continuam) uma alternativa mais rebelde que os quatro bem-comportados garotos de Liverpool.

O grupo lançou clássicos como 'Satisfaction', 'Start Me Up', 'Sympathy for the Devil', 'Jumping Jack Flash', 'Don't Stop' e 'Angie', que os tornaram lendas do rock mundial. Além de contribuir com extensa discografia, a banda foi um ícone da revolução sexual dos anos 60, época da invenção da pílula e de grandes mudanças no padrão do comportamento jovem. Em 1967, foi censurada no tradicional programa de Ed Sullivan. Jagger cantou 'Let's spend some time together' em vez de 'Let's spend the night together'.

Um dos álbuns mais irreverentes é Sticky Fingers, cuja capa idealizada por Andy Warhol traz a foto de uma pélvis atribuída a Jagger. O LP original possuía um zíper que podia ser aberto e mostrava uma figura de uma cueca. O disco foi o primeiro lançado pelo selo dos Stones e o primeiro a mostrar o famoso logotipo da boca, produzido por John Pasch.

Mas nem só de flores viveram os astros. A banda sobreviveu a recepções efusivas da crítica, a sérios problemas por excessos de drogas, que levou a prisões e processos, e a conflitos de egos, especialmente entre Jagger e Richards.

Com a morte do guitarrista Brian Jones em 1969, encontrado morto na piscina de sua mansão, o grupo realizou um concerto histórico no Hyde Park, recebendo Mick Taylor para o seu lugar. O outro membro original, Bill Wyman, deixou o grupo em 1991. Para a sua função foi escalado o baixista Darryl Jones. A formação atual inclui também o guitarrista Ronnie Wood.

Após mais de 40 anos na estrada, os Stones são uma das bandas mais antigas em atividade. A formação atual conta com o vocalista Mick Jagger, 62 anos, o bateristas Charlie Watts, 64, e os guitarristas Keith Richards, 61, e Ron Wood, 58. Os Rolling Stones não pensam em se aposentar tão cedo. E as pedras continuam rolando, como diz o próprio nome do grupo, para o deleite dos fãs.

Perfil dos integrantes:

Da Abril.com

Mick Jagger (voz e guitarra)
Seu nome de batismo é Michael Phillip Jagger, nascido em 26 de julho de 1943. Quanto tinha 5 anos, conheceu seu futuro parceiro, Keith Richards, enquanto estudavam juntos.

Anos mais tarde, os dois se reencontraram em uma estação de trem e foi aí que teve início o trabalho da famosa dupla. Na época, Jagger cursava economia em Londres.

Quando surgiu no mundo musical, em 1962, o líder da banda já mostrou que era o oposto da imagem dos Beatles John Lennon e Paul McCartney.

Fora dos Stones, Jagger lançou dois trabalhos solos: She´s The Boss (1985) e Primitive Cool (1987)

O astro tem sete filhos. A mais velha é Karis Jagger, de seu relacionamento com Marsha A. Hunt. A segunda é Jade, de seu casamento com Bianca Jagger, a bela nicaraguense com que curtiu a ferveção dos anos 70.

Depois se casou com a modelo Jerry Hall, com quem tem quatro filhos. E o mais novo é Lucas Jagger, filho de Luciana Gimenez.

O cantor é autor de frases célebres como: "eu nunca saio com donas-de-casa. Nunca saí e nunca sairei", em 1977.

Keith Richards (voz, vocal e guitarra)
Parceiro de Jagger desde o início, em 1962, já brigou várias vezes com o cantor, mas até hoje continua na banda. Foi o último Stone a gravar um trabalho sozinho, o disco Talk is Cheap, em 1988.

Seu envolvimento com as drogas e bebidas é famoso, e desde criança Richards têm problemas de comportamento. Chegou a ser expulso da escola em 1959, em Londres.

O guitarrista é conhecido por ser o bad-boy da banda, mas ninguém pode reclamar de seus dedilhos na guitarra.

Suas histórias são sempre as mais excêntricas. Há quem diga que na década de 70 ele trocou todo o seu sangue, mas não comprovações.

Na parte amorosa, seu primeiro relacionamento famoso foi justamente com a ex-namorada do antigo Stone Brian Jones, Anita Pallenberg, com quem teve dois filhos. O terceiro morreu de causas até hoje não reveladas. Em 1983, ele se casou oficialmente pela primeira vez, com Patti Hansen, com quem tem duas filhas.

Charlie Watts (bateria)
O mais discreto e elegante dos Stones tem uma banda de jazz, chamada Charlie Watts Tentet.

Sua história com os Rolling Stones é curiosa. Em 1960, ele entrou para uma banda chamada Blues Incorporated, que mais tarde contratou o cantor Mick Jagger e os guitarristas Brian Jones e Keith Richards.

Mas os shows eram muito puxados, e Watts resolveu abandonar o grupo e voltar para seu trabalho em uma empresa de publicidade.

Até que em 1962 os integrantes de sua antiga banda tinham se transformado nos The Rolling Stones, e o convenceram a voltar a tocar no grupo, onde ele está até hoje.

Em junho de 2004, o roqueiro sofreu um susto ao ser diagnosticado com um câncer na garganta. Watts foi submetido a uma radioterapia e hoje o câncer recuou.

Ron Wood (vocal e guitarra)
Foi o último a entrar para os Stones. Gosta de mexer com artes plásticas quando não está com o grupo.

Wood tocava com o Creation e logo depois entrou na banda Jeff Beck Group, que tinha ninguém menos que o então desconhecido Rod Stewart nos vocais. Depois, os dois resolveram sair da banda e se juntaram ao Small Faces, que depois virou apenas Faces.

E foi depois disso que passou a fazer parte dos Rolling Stones, com a saída de Mick Taylor, em 1974. Ele tocou com a banda por anos sem ser considerado literalmente integrante do grupo, o que aconteceu apenas em 1995.

Mick Jagger nunca escondeu que não considerava Wood a melhor pessoa para os Stones, mas Keith Richards sempre apoiou o guitarrista, de quem é muito amigo.

Discografia:


12 x 5 Ano de lançamento: 1964	America Newest Hit Makers Ano de lançamento: 1964	England Newest Hit Makers Ano de lançamento: 1964
		.

December's Children Ano de lançamento: 1965	Rolling Stones Now Ano de lançamento: 1965	Aftermath Ano de lançamento: 1966
		.

Their Satanic Majesties Request Ano de lançamento: 1967	Flowers Ano de lançamento: 1967	Between the Buttons Ano de lançamento: 1967
		.

Beggars Banquet Ano de lançamento: 1968	Let It Bleed Ano de lançamento: 1969	Get Yer Ya Ya's Out Ano de lançamento: 1970
		.

Sticky Fingers Ano de lançamento: 1971	Exile on Main Street Ano de lançamento: 1972	Big Hits and Fazed Cookies Ano de lançamento: 1972
		.

Goats Head Soup Ano de lançamento: 1973	It's Only Rock'n'Roll Ano de lançamento: 1974	Black and Blue Ano de lançamento: 1976
		.

Love You Live Ano de lançamento: 1977	Some Girls Ano de lançamento: 1978	Emotional Rescue Ano de lançamento: 1980
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Tattoo You Ano de lançamento: 1981	Still Life Ano de lançamento: 1982	Undercover Ano de lançamento: 1983
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Dirty Work Ano de lançamento: 1986	Steel Wheels Ano de lançamento: 1989	The London Years Ano de lançamento: 1989 1 - 2
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Flashpoint Ano de lançamento: 1991	Jump Back Ano de lançamento: 1993	Voodoo Lounge Ano de lançamento: 1994
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Stripped Ano de lançamento: 1995	Rock & Roll Circus Ano de lançamento: 1996	Bridges To Babylon Ano de lançamento: 1997
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No Security Ano de lançamento: 1998	Forty Licks Ano de lançamento: 2002 1 - 2

2004 - Live Licks: part 1
part 2

2005 - A Bigger Bang

2005- Rarities (1971-2003)

2006 - She Was Hot Hot Hot: part 1
part 2

2007 - Rolled Gold Plus: part 1
part 2

2008 - Shine a Light: part 1
part 2

Clean Cuts Vol I y Vol II
b


The Rolling Stones (1964) The First Japanesse Album	The Rolling Stones (1966) Big Hits High Tide ...	The Rolling Stones (1966) Got Live If You Want It
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The Rolling Stones (1969) Through The Past Darkly...	The Rolling Stones (1972) Hot Rocks 1964-1971	The Rolling Stones (1975) Made In The Shade
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The Rolling Stones (1975) Metamorphosis	The Rolling Stones (1981) Sucking In The Seventies	The Rolling Stones (1984) Rewind

Mick Jagger solo:


1985 - She's The Boss	1987 - Primitive Cool
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1993 - Wandering Spirit	2001 - Goddess In The Doorway
Rapidshare - Megaupload	Rapidshare - Megaupload

Keith Richards solo:

(1988) Talk Is Cheap
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(1991) Live at the Hollywood Palladium (Dec. 15, 1988)
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(1992) Main Offender
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EXTRAS

(1993) Time Is On My Side [bootleg]
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Chico Magnetic Band... O melhor cover de Hendrix

2009-01-10T02:40:00.008-02:00

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"Pura psicodelia pesada", assim ficou conhecido este disco, desta banda louca francesa do início da década de 70. O grupo era liderada pelo argelino Mahmoud 'Chico’ Ayari. E mesmo com notória e forte influência do Jimi Hendrix Experince, conseguiu gerar um estilo próprio, furioso e visceral. Entre as faixas, uma versão para “Crosstown Traffic”.

Na verdade é um quarteto de rock psicodélico formado em Lyon na França em 1969 inicialmente com o nome 'Chico & The Slow Death' depois mudando para Chico Magnetic Band. Só que muito mais sem noção que Hendrix. Meu Zappa até... Sei lá, tem mão que lembra Tom Zé, Walter Franco, Hermeto ou Arrigo Barnabé. Só ouvindo para saber qual é do som dos caras...Tem uma música que é meio Black Sabbath. Ouça Alto e com muita cerveja. Vire as caixas de som para a casa do vizinho mais mala e FODA-SE!!!

Chico Magnetic Band (1971)

Faixas:
01.Explosion 05:48
02.Pop pull hair 02:43
03.Lot of things 04:40
04.We all come and go 03:11
05.To where I belong 06:16
06.My sorrow 03:07
07.Cross Town Traffic 03:16
08.Pop Orbit 03:45

Clique aqui e acesse a história da banda (em francês)

Eloy, bom só no começo

2009-01-08T20:33:00.003-02:00

Eloy é uma banda alemã de rock progressivo, mais específicamente rock sinfônico e space rock - este último, sobretudo, presente nos álbuns mais recentes. O nome da banda foi inspirado em Eloi, uma raça do futuro na novela A Máquina do Tempo, de Herbert George Wells.

O primeiro quatro álbuns são os melhores, e não têm nada de parecido com o movimento Krautrock - que a refêrencia do progressivo germanico. O som do Eloy está mais para as bandas britânicas de rock progressivo, como Yes, Jethro Tull, e Pink Floyd. Além disso, a abanda também tema pegada rock n' roll dos anos setenta, tipo Free, Led Zeppelin e Deep Purple.

Fundada no final dos anos 1960 pelo guitarrista Frank Bornemann, a banda sofreu várias mudanças, sendo Bornemann o único membro consistente do grupo. Foi inspirada por bandas como The Beatles, The Shadow e Pink Floyd, este último pelo tom de space rock que possuia na época. A princípio, a banda tocava hard rock, inspirada por temas políticos, mas logo passou para um som mais progressivo, com elementos de space. Baseado principalmente nos solos de guitarra de Bornemann, o som da banda também inclui o vasto uso de sintetizadores e coros.

Em 1971 foram para Hamburgo gravar seu primeiro LP. O primeiro contrato com uma grande gravadora veio em 1973, com a EMI. Foram então promovidos à uma das banda mais influentes da cena da época. Os álbuns vendiam cada vez mais, alcançando o auge de sucesso com Silent Cries and Mighty Echoes, lançado em 1979 - este, totalmente space. Na época a formação da banda contava com Frank Bornemann na guitarra e vocal, Klaus Peter Matziol no baixo, Detlev Schmidtchen no teclado e Jürgen Rosenthal na bateria, que também escrevia as letras das canções.

Na década de 1980, depois de uma série de trocas no grupo, Bornemann seguiu para um caminho mais comercial. Apesar de atrair público, a banda nunca ganhou popularidade nos Estados Unidos. Apesar disso, membros antigos da banda reuniram-se novamente, e em 1998 os fãs puderam conferir Ocean 2, um retorno ao gênero clássico do progressivo sinfônico do qual a banda era conhecida. Uma sequência do original de 1977, é considerado entre fãs como uma captura bem sucedida do espírito da banda.

Bem, ouça e defina você mesmo. Sugiro ouvir bebendo vinho!


1971 - Eloy	1973 - Inside

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1974 - Floating	1975 - Power And Passion

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1976 - Dawn	1977 - Ocean

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1978 - Live	1979 - Silent Cries & Mighty Echoes

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1980 - Colours	1981 - Planets

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1982 - Time To Turn	1983 - Performance

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1984 - Codename Wild Geese	1984 - Metromania

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1988 - Ra	1991 - Rarities

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1992 - Destination	1994 - The Tides Return Forever

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1998 - Ocean 2 (The Answer)	2003 - Timeless Passages

Os links foram retirados do blog newbrasilmidia.

Dom Um Romão

2008-11-29T12:58:00.005-02:00

*Do Site Glube de Jazz

Dom Um nasceu no dia três de agosto de 1925, na cidade do Rio de Janeiro. Seu pai era baterista e o influenciou tanto na música africana quanto da brasileira. Dom Um Romão é um estilista original da percussão, sempre utilizando os instrumentos para poder evocar os sons de natureza.

Dom Um Romão se tornou um profissional nos final de 40, tocando bateria em orquestras de dança e acabou sendo contratado pela orquestra da Rádio Tupi. Ele formou no Beco Garrafas em 1955, o Copa Trio (que tinha o pianista Toninho e o baixista Manuel Gusmão). No mesmo período, ele foi contratado pela boate Vogue.

Em 1958, ele participou do marco inicial da bossa, o álbum de Elizeth Cardoso, “Canção do Amor Demais”. Em 1961, Romão tocou com Sérgio Mendes no Sexteto Bossa Rio, no Festival Sul-americano de Jazz (no Uruguai). Em 1962, com o Bossa Rio, participou do Festival de Bossa Nova no Carnegie Hall, em New York. Com Cannonball Aderley, ele gravou o álbum “Cannonball’s Bossa Nova” (Riverside).

Com o Copa Trio participou de “O Fino da Bossa” no Teatro Paramount (1964), sendo a primeira vez que bossa nova foi lançada na cidade de São Paulo. O seu primeiro álbum, “Dom Um”, foi gravado no mesmo ano. Com pianista Dom Salvador e o baixista Miguel Gusmão surgiu a nova formação do Copa Trio, que acompanhou vários cantores na boate Bottle’s, no Beco Garrafas, inclusive o Quarteto em Cy. O trio ao se unir a Jorge Ben, acabaram formando o Copa 4.

Em 1965, ele participou do primeiro álbum de Flora Purim (então sua esposa), “Flora é MPB”(RCA). No mesmo ano, ele foi convidado por Norman Granz para se mudar para os EUA, onde gravou com Stan Getz e Astrud Gilberto, seguindo depois para a Europa. Sendo muito requisitado, Dom Um gravou muitos álbuns, inclusive com Tom Jobim. Romão se juntou ao Brasil 66 de Sérgio Mendes para gravar “Fool on the Hill”(A&M) e para excursionar ao Brasil (1966).

Ele participou da gravação do álbum “Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim” no ano seguinte. Deixando o grupo de Sérgio Mendes, ele gravou entre outros, com Tony Bennett (The Movie Song Álbum). Já em 1971, Romão substituiu o Airto Moreira no Weather Report.

Em 1973, ele gravou seu primeiro álbum de solo no EUA, “I Sing the Body Electric”, e na seqüência, “Spirit of the Times”. No mesmo ano, ele viajou com Blood, Sweat and Tears. “Hotmosphere” seu terceiro álbum,foi gravado em 1976. Dono do estúdio Black Beans em Nova Jersey, Dom Um acabou se mudando para a Suíça no início dos anos oitenta.

Na Suiça ele formou o Dom Um Romão Quintet, que participou no exterior de vários shows, inclusive abrindo as apresentações de muitos artistas importantes, como Tony Bennett e Blood, Sweat and Tears. Em 1993 gravou “Saudades” e em 1998, o cd “Rhythm Traveller” foi gravado no Brasil.

DOM UM ROMÃO – HOTMOSPHERE – 1976

Dom Salvador: pianista brasileiro

2008-11-08T13:09:00.005-02:00

Sua carreira musical teve início aos 12 anos de idade, como pianista em uma orquestra. Tornou-se conhecido em 1961, mesmo ano em que mudou-se para o Rio de Janeiro a convite do baterista Dom Um Romão, onde passou a fazer parte do grupo Copa Trio.

Em 1965, gravou o disco Salvador Trio, como integrante de um grupo com o mesmo nome. Logo depois, formou o grupo Rio 65 Trio, com o qual gravou um LP que representava a Música Moderna Brasileira - um contra-ponto inserido na Bossa Nova.

No ano seguinte, o Rio 65 Trio viajou para a Europa, juntamente com outros músicos como Edu Lobo, Syilvia Telles e Rosinha Valença, entre outros. Depois de apresentar-se em muitos países, o grupo gravou outro LP, na Alemanha.

Ainda em 1966, Dom Salvador foi para os Estados Unidos juntamente com outros músicos, e retornou a esse país na companhia de Elza Soares. Desta vez, fez amizade com vários músicos de jazz, como Thelonious Monk, Charles Lloyd e vários outros.

Retornando ao Brasil tornou-se produtor musical e pesquisador, tendo esta última ocupação motivado viagens para vários outros países. Ainda na década de 60 lançou vários LPs com o Dom Salvador Trio

Em 1970, fez parte do grupo Abolição, juntamente com integrantes dos grupos Cry Babies e Impacto 8, criando assim o embrião do que viria a ser o movimento Black Rio.

Atualmente, Dom Salvador vive em Nova York, onde toca piano em um restaurante. Os discos gravados por ele entre os anos 60 e 70 são, hoje, raridades vendidas a preços altos, quando encontradas.

Nos anos 2000, essa jóia rara do patrimônio cultural brasileiro, que vivendo há mais de três décadas nos EUA, Dom Salvador voltou ao mercado natal lançando o CD Dom Salvador Trio pela Biscoito Fino.

Não são 35 anos de ausência do mercado brasileiro, como a imprensa andou divulgando. Dentre outros poucos títulos do músico, em 2003 o Dom Salvador Trio lançou pela gravadora paulistana Lua Music seu álbum anterior, Transition. Acompanhado por Duduka da Fonseca (bateria) e Rogério Botter Maio (baixo), o disco era uma edição nacional do original americano gravado em janeiro de 1997. Dessa vez, porém, Dom Salvador gravou em um estúdio brasileiro em apenas dois dias, 8 e 9 de janeiro de 2007.

Passados dez anos, o trio apresenta a mesma sintonia fina de grandes músicos de jazz. A idéia de Dom Salvador era reeditar o famoso Rio 65 Trio, que formou com o mesmo baixista Sérgio Barroso e com o lendário baterista Édison Machado, morto em 1990 e aqui substituído por Duduka. O clima de samba jazz remete a sofisticada bossa que surgiu no Brasil e logo ganhou prestígio em todo mundo. Apimentando o banquinho e o violão, essa música tinha ares de samba e flertava de perto com os improvisos e a riqueza do jazz. Uma famosa e bem sucedida mistura brasileira.

São doze temas, todos com assinatura do pianista. Em Unificação Dom Salvador divide a criação com o músico Marco Versiani, também radicado e com carreira estabilizada nos EUA.

Animado com essa espécie de releitura da carreira, Dom Salvador planeja agora remontar - com outro nome - o antológico grupo Abolição, que tinha apenas músicos negros e ficou eternizado no clássico LP Som, sangue e raça, de 1971.

Parte da discografia é:

(1965) RIO 65 TRIO – RIO 65 TRIO

(1966) RIO 65 TRIO – A HORA E VEZ DA M.P.M.

(1966) Tristeza

(1967) Dom Salvador Trio

(1969) Dom Salvador

(1971) Som, Sangue e Raça

(1984) DOM SALVADOR QUARTET – RIO CLARO SUÍTE

(1998) DOM SALVADOR, DUDUKA DA FONSECA E ROGÉRIO BOTTER MAIO – TRANSITION

Sambagroove... a maior banda sambarock capixaba!

2008-10-16T00:43:00.000-03:00

O Sambagroove vem aí... Aguarde!

2008-10-01T11:55:00.001-03:00

Os Ramones são uma Bossa!

2008-09-30T19:14:00.006-03:00

O Bossa n' Ramones é um projeto tão caro e piegas quanto os outros "Bossa n'... qualquer coisa". O disco foi gravado ao redor do mundo com a participação de Cherie Currie, ex-vocalista das Runaways (banda proto, glam, punk, contemporânea do Ramones), Angie Bowie (cantora, atriz , escritora e ex-esposa de David Bowie) e Yasmin Gate, integrante do Dirty Princess, um explosivo duo de eletroclash europeu. A idéia é manter o mesmo clima dos discos Bossa n' Stones 1 e 2, Bossa n' Marley e Bossa n' Roses, ou seja, reinterpretar canções batidas dos artistas citados ritmo de eletro bossa com muito lounge frio de voz gemida, como se isso representasse a sensualidade da música brasileira, que aliás, não teve nenhuma cantora participando do repertório.

A música "Rockway beach", um clássioco do punk rock bubblegum ficou a cópia de "Cmo uma onda no mar "de Lulu Santos. Só por aí já dá para se ter idéia do que se trata essa comcepção de marketing musical. Pois bem, se você duvida, faça um dowload e boa sorte!

1 Intro
2 Here Today, Gone Tomorrow - Cherie Currie
3 I Wanna Be Your Boyfriend - Amazonics
4 I Just Want To Have Something To Do - Angie Bowie
5 She´s A Sensation - Deise Costa & Brazil Xxi
6 Poison Heart - Ng Monasterio
7 Beat On The Brat - Os Digitalistas
8 I Wanna Be Sedated - Groove Da Praia
9 Sheena Is A Punk Rocker - Sixth Finger Feat. Luana
10 Rockaway Beach - Natalie Renoir & Dj Leao
11 Pet Sematary - Yasmin Gate From Dirty Princess
12 Blitzkrieg Bop - Glambeats Corp. Feat. Chepito
13 The K.K.K. Took My Baby Away - United Rhythms Of Brazil
14 Outro

Vá lá então né...
Pass: psylence

Tributo ao Clash

2008-08-08T18:06:00.003-03:00

Charlie Does Surf: A Tribute to The Clash

Recomendo!!!!

1. Charlie Don't Surf - Pollo Del Mar
2. What's My Name - Estrume'n'tal
3. Rudie Can't Fail - The Cocktail Preachers
4. Atom Tan - The Silver Hawks
5. Garageland - The Glasgow Tiki Shakers
6. Safe European Home - The Bombers & The Vivisectors
7. White Riot – Kelp
8. Janie Jones - Crime Factor Zero
9. Straight to Hell – CHUM
10. London's Burning - The Fabulous Planktones
11. Spanish Bombs – RNA
12. Train In Vain - Susan & The Surftones
13. Stay Free - The Thurston Lava Tube
14. Death or Glory - The Nematoads
15. Clampdown - Urban Surf Kings
16. Complete Control - The Lava Rats
17. Guns of Brixton - The Anacondas
18. London Calling - The Pyronauts

DOWNLOAD

The Sonics: som alto e burro!

2008-06-02T22:01:00.006-03:00

The Sonics é a mais importante e influente banda de garagem americana dos anos 60. Com um som alto, sujo e pulsante, ainda hoje é referência. As suas maiores características eram a simplicidade das gravações, em dois canais, e a fúria da execução e timbragem dos instrumentos. De sua fonte mamaram MC5, Iggy Pop, The Fall, New York Dolls, Dead Boys e os grunges do Nirvana.

Eles são frutos do movimento que nasceu na costa noroeste dos Estados Unidos cujo lema era fazer um rock básico, sacana, cru, veloz, destorcido, energético, intenso e selvagem. Na mesma época tocavam Kingsmen, The Wailers (do rock e não a do reggae), The Drastics e Paul Revere & the Raiders.

De Washington, no início dos anos 60 e depois de várias formações e propostas de se fazer som, o quinteto se destaca e logo grava pela Etiquette Records, selo do baixista dos Wailers, Buck Ormsby. Nesse ano, lançam o primeiro compacto com a clássica "The Witch", no lado A e "Keep A Knockin'", de Little Richard, do outro lado. Em seguida, a banda entrou novamente em estúdio e gravou novo compacto, "Psycho". E, em 1965 surge o clássico “Here are the Sonics”.

No ano seguinte, o grupo lança o disco “Boom”, que foi gravado no estúdio Wiley/Griffith, especializado em country. Ou seja, deu merda! No meio das gravações a banda arrancou todas as caixas de ovos que estavam na parede para melhorar a acústica. Segundo eles foi “para conseguir um som mais vivo".

Eles abriram shows para várias bandas importantes da época como os Beach Boys, Jay & the Americans, Ray Stevens, The Kinks, Lovin' Spoonful, Liverpool 5, Shangri-Las, Mamas & Papas e até para os Byrds! O que fez com que fossem parar em Hollywood para gravarem um disco com Larry Levine como produtor. “Introducing The Sonics” foi um disco bem mais calmo e mais limpo, que não agradou muito os integrantes e o seu público rebelde. Ou seja, um "grande lixo"!

"Se nossos discos soavam distorcidos, era proposital. Larry vivia mexendo nos amplificadores, desligando alto-falantes ou fazendo um buraco neles com um picador de gelo. No final, eles acabavam soando com um trem descontrolado", lembra Andy Parypa.

O grupo acabou se separando após o compacto Any Way The Wind Blows e apenas Rob Lind tentou ficar como membro original até deixar os Sonics em 1968. O grupo original se encontrou novamente em 1972 para cinco shows no Seattle Paramount, que resultou no disco "Live Fanz Only".

Depois disso, cada um seguiu sua vida, mas, eis que, em novembro de 2007 (ano passado), o grupo se reuniu para gravar um DVD e um disco ao vivo, em Nova York, quando confessaram que a saudade bateu pesado.

Here are the Sonics - 1965

"Nós somos sacanas. Tudo que você ouve sobre nós é verdade." (Larry Parypa – The Sonics)

Candeia, filho do samba

2008-06-01T19:45:00.006-03:00

Antônio Candeia Filho (1935-1978), cria do samba de Oswaldo Cruz, Zona Norte do Rio de Janeiro, freqüentava todas as rodas de bambas, onde conheceu gente como Zé com Fome, Luperce Miranda, Claudionor Cruz e outros. Seu pai era tipógrafo e flautista e foi, segundo alguns especialistas, o idealizador das Comissões de Frente das escolas de samba.

Com muita cede artística, Candeia, ainda garoto, aprendeu a tocar violão e cavaquinho, começou a jogar capoeira e a freqüentar terreiros de candomblé, práticas que o formaram e o tornou um dos maiores defensores da cultura afro-brasileira.

Em 1953 compôs o seu primeiro enredo, "Seis Datas Magnas", com Altair Prego. Esse ano foi quando a Portela realizou a façanha inédita de obter nota máxima em todos os quesitos do desfile da época.

Em 1961 entrou para a polícia e, como era muito brigão, suas atitudes começaram a causar ressentimentos entre seus antigos companheiros. Provavelmente, não imaginava que começava ali um caminho para a tragédia, o que mudaria sua vida. Há uma lenda urbana que diz que, ao esbofetear uma prostituta, ela rogou-lhe uma praga; na noite seguinte, ao sair atirando do carro num acidente de trânsito, levou uma bala na espinha que paralisou para sempre suas pernas.

O incidente e suas conseqüências passaram a ser temas de seus sambas e durante um bom período recolheu-se em sua casa e não recebia praticamente ninguém.

Com muito custo Candeia voltou a participar dos pagodes e no fundo de seu quintal ele reinou, se inspirou e criou, em dezembro de 1975, a Escola de Samba Quilombo, com o lema: "Escola de Samba é povo na sua manifestação mais autêntica! Quando o samba se submete a influências externas, a escola de samba deixa de representar a cultura de nosso povo".

Em 1977 grava "Luz da Inspiração", um clássico, num estilo que vai do samba enredo setentão, bem afro e cantarolado, mostrando o seu amor e gratidão pela Portela, passando por sambões de terreiro, com voz de negrão esquema preto velho e coro feminino de resposta, até ao pagodão de mesa de boteco Zona Norte e samba canção de lamento.

Em 1978 grava "Axé", disco mais importante de sua carreira que acaba nesse mesmo ano. Porém, sua obra ainda está viva e sua música ainda é cantada nas rodas de samba do mundo. Saravá Candeia!

Candeia: Luz da inspiração (1977)

Alceu Valença dos 1000 sons

2008-05-14T18:18:00.008-03:00

Alceu Paiva Valença nasceu em São Bento do Una, no interior de Pernambuco, nos limites do agreste, em 1946 e é um dos compositores e cantores mais originais e influentes da Música Popular Brasileira, navegando por Luiz Gonzaga, Elvis, Pink Floyd e Piazzola. Mas é claro que sua grande mistura entre a nordestinidade e o rock eletrificado e a sintetizidade pop dos anos 80 é a sua marca. É fácil achar maracatus, cocos, repentes, baiões, toadas, frevo, caboclinhos, emboladas, aboios, reggae, forrós, xotes, rock cinqüentão e progressivo em suas canções.

Através dos alto-falantes dos interiores, uma espécie de rádio-poste da época, Alceu conheceu Jackson do Pandeiro, Gonzagão e Marinês. Em casa, a influência ficou por conta do avô, Orestes Alves Valença, que era poeta, cantador e violeiro. Aos 10 anos vai para Capital, Recife, onde descobriu o Brasil: Sambas, Orlando Silva, Dalva de Oliveira, Bossa Nova, Jazz e o Rock and Roll.

Se formou em direito no Recife, em 1969, mas também brincava de ser jornalista - trabalhou como correspondente do Jornal do Brasil. Mas seu grande barato foi resolver ser artista e Pernambuco e seus carnavais foi uma grande escola. A Mistura, mesmo não sendo uma idéia genuína, pois já se tinha o tropicalismo e Raulzito Baiano Seixas, que é contemporâneo, é muito interessante, sobretudo nos anos setenta, antes de ser “Pop Valença”. Porém, a sua pesquisa e execução são maravilhosas e atemporais.

Em 1971, vai para o Rio de Janeiro com o amigo e incentivador Geraldo Azevedo. Começa a participar de festivais universitários, como o daTV Tupi a faixa Planetário. Nada acontece. Nenhuma classificação, pois a orquestra do evento não conseguiu tocar o arranjo da canção. Em 1974 ganha o prêmio de “música sem pé nem cabeça”, ou seja, artista revelação, com Danado pra Catente – nessa Zé Ramalho estava tocando viola e cantando com ele.

Vale a pena conferir toda sua obra da década de setenta, assim como todas as entrevistas da época. Nos anos oitenta, apesar de ter virado MPB “popão”, tem muita coisa boa: coração bobo, cinco sentidos, anjo avesso, mágico e “um puta” disco ao vivo em Montreux. Nos anos noventa indico o 7 sentidos e maracatus-pa-e-bolas-mariolas. O resto é chato e isso inclui os DVDs e entrevistas. Alceu ficou over. Ah, tem o Ensaio da TVE que é maravilhoso. Faça várias caipirinhas e divirta-se!


Alceu & Geraldo Azevedo Ano de lançamento: 1972	A Noite do Espantalho Ano de lançamento: 1974	Molhado de Suor Ano de lançamento: 1974	Vivo Ano de lançamento: 1976
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Espelho Cristalino Ano de lançamento: 1977	Saudade de Pernambuco Ano de lançamento: 1979	Coração Bobo Ano de lançamento: 1980	Cinco Sentidos Ano de lançamento: 1981
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Cavalo de Pau Ano de lançamento: 1982	Anjo Avesso Ano de lançamento: 1983	Mágico Ano de lançamento: 1984	Estação da Luz Ano de lançamento: 1985
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Ao Vivo Ano de lançamento: 1986	Rubi Ano de lançamento: 1986	Leque Moleque Ano de lançamento: 1987	Oropa, França e Bahia Ano de lançamento: 1988
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Andar Andar Ano de lançamento: 1990	7 Desejos Ano de lançamento: 1991	Maracatú, Batuques e ... Ano de lançamento: 1994	Sol e Chuva Ano de lançamento: 1997
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Forró de Todos os Tempos Ano de lançamento: 1998	Todos os Cantos Ano de lançamento: 1999	Forró Lunar Ano de lançamento: 2001	De Janeiro a Janeiro Ano de lançamento: 2002
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Ao Vivo em Todos os Sentidos Ano de lançamento: 2003	Na Embolada do Tempo Ano de lançamento: 2005	Marco Zero ao Vivo Ano de lançamento: 2007

A Argentina arde em som

2008-04-24T13:36:00.005-03:00

Hasta encontrar

O Andando Descalzo é um grupo argentino formado em 1995 por Ruani Rodriguez (voz), Emiliano de La Encarnación (bajo), Maxi Suppa (percusión), Carlos Quinteiros (bateria), Pablo Otero (teclado) e Mauro Lopes (guitarra), que depois foi substituído por Ariel Paladino.

Esses caras representam o típico som jamico-argentino, uma mistura de rock-cuarteto, ska, rockstead e early reggae. O som é meio Paralamas do Sucesso, só que com a arrogância clássica de nossos hermanos vizinhos e aquele castelhano arrastado que quase que dá para entender.

A banda tem seis álbuns, o mais recente é o “Hasta Encontrar”, de 2008, um disco que não foge a regra que rola desde Los Fabulosos Cadillacs e Mano Negra. A única diferença é que esses carinhas são mais hypes. Argentinos metidos a moderninhos hijos de una perra. Se bem que o som é bem legal, eu recomendo. Vamos fazer amizade com o vizinho para poder pegar a mulher dele!

Visitem: http://www.andandodescalzo.com.ar/ e http://argentina-rock.blogspot.com/

2008-04-16T14:18:00.003-03:00

The King's Jam

Tenho medo de tecer qualquer comentário.

Derek & The Dominos

2008-04-15T19:10:00.005-03:00

O Derek & The Dominos é a banda setentona de Eric Clapton, que vem acompanhado de Bobby Whitlock (teclados), Carl Raddle (baixo) e Jim Gordon (bateria).

O grupo estreiou em 1970 com o clássico "Layla And Other Assorted Love Songs", contando com a participação especial do guitarrista Duanne Allman (Allman Brothers). O álbum foi um sucesso puxado pela canção "Layla", um dos maiores hits da carreira de Clapton.

Em 1971 a banda já estava em processo de gravação do segundo álbum quando Eric Clapton teve que se isolar por conta de sérios problemas com a dependência por heroína. Nesse mesmo ano Duanne, que quase já estava oficialmente na banda, morreu num acidente de motocicleta.

Em 1973 foi lançado o álbum "Derek & The Dominos In Concert", com o antológico concerto no Fillmore East, gravado durante a turnê pelos EUA em 1970, um desses caôs de gravadora que deu certo.

"Layla And Other Assorted Love Songs"

Com mil raios Sérgio Sampaio

2008-04-11T14:54:00.005-03:00

O Capixaba, do quente município de Cachoeiro de Itapemirim, Sérgio Moraes Sampaio, nascido em 1947, foi um cantor e compositor maldito interessante. Botou o bloco na rua, fez um disco louco com Raul Seixas, Miriam Batucada e Edir Star, viajou de trem nessa vida danada, viu filme de terror, mandou Zebedeu calar a boca aos berros de seus leros e boleros e morreu na merda em 1994.

O magrelo foi radialista no sul do Espírito Santo em Cachoeiro e depois foi tentar a careira musical na cidade maravilhosa, que é de São Sebastião do Rio de Janeiro. Teve a sorte de assinar um contrato com a CBS (hoje Sony BMG) em 1971, quando lançou o ícone "Sociedade da Grã-Ordem Kavernista Apresenta Sessão das 10", ao lado dos figuraças já citados. E no ano seguinte, lançou a marcha-rancho Eu Quero É Botar Meu Bloco na Rua no Festival Internacional da Canção, música que se tornou sucesso nacional e deu nome ao primeiro disco solo de Sérgio Sampaio.

Apesar do sucesso do compacto do Bloco, o LP não foi bem-sucedido, em parte pelo comportamento displicente de Sérgio, que se dedicava mais à vida boêmia carioca do que à divulgação do álbum. Mas, na verdade o disco é colossal. Vale a pena conferir. Ouça no volume máximo e tomando uma caipirinha.

Eu quero é botar meu bloco na rua

Hermeto, o bruxo imitador de pássaros

2008-03-14T10:49:00.003-03:00

Hermeto Pascoal: Zabumbê-bum-á (1979)

Hermeto Pascoal é o compositor arranjador e multiinstrumentista brasileiro que mais experimentou novas sonoridades. O louco, o bruxo, o mago dos sons. Ainda hoje imita o barulho das águas nas corredeiras e os gorjeios na jabuticabeira na beira do lagos. Seu primeiro instrumento foi observar e imitar, o segundo, o acordeom de oito baixos de seu avô. Na década de 50, foi parar na rádio, assim como tantos outros da música brasileira e mundial. Lá, na Rádio Tamandaré conheceu Sivuca que o levou para a Rádio Jornal do Commercio e fazer uns “sonzinhos” com uma galera aê. Som Quatro, Sambrasa Trio e Quarteto Novo foram alguns dos grupos que ele participou, fora os festivais brasileiros e internacionais e a gravação de duas músicas sua com Miles Davis.

O álbum Zambumbê-bum-á é um trabalho que resume a fase áurea de Hermeto, que vai desde a Música Livre até o Cérebro Magnético, ou seja, Hermeto louco na década de setenta, quando ele inovou a música instrumental brasileira com linguagem própria, entre o regional e o jazz. Ou seja, o cara é um gênio... Ou não...

Uma dica: o disco tem que ser ouvido como se fosse uma trilha de um filme nordestino!

Southern tupiniquim

2008-03-10T10:14:00.003-03:00

Boa musicalidade, os caras têm a "manha" do southern rock. Porém, as letras são fracas, o vocal é ruim e a timbragem é de rock brasuca, meio velhas virgens até. Tudo bem, nesse último caso a culpa não é da banda e sim dos estúdios brasileiros que não têm o conhecimento técnico e nem os equipamentos necessários para gravar um som que seja a cara do sul estadosunidenses. De boa, prefiro Sá, Rodrix e Guarabira, mas vale dar uma conferida no som do Bando do velho Jack e tirar suas próprias conclusões. Apesar das críticas o Bicho do mato não é tão mal assim.

O site dos caras é bem legal, tem as histórias da banda, fotos, agenda, contato, discografia e o nome dos integrantes... Confira... Ou não...

O Bando do Velho Jack: Bicho do Mato

Projeto que deu certo

2008-03-06T16:19:00.011-03:00

A Gov't Mule, fundada por Warren Haynes e Allen Woody em 1994, como um projeto paralelo ao Allman Brothers Band, é uma banda de southern rock que conquistou sua vida própria, com qualidade, bagagem e muitas milhas de som.

Já no primeiro disco, que começa com a voz grave e tocante do Allman Brother Warren Haynes e seu um minuto e trinta e cinco segundos de poeira na cara, a banda diz a que veio. Simplesmente delirante. Um branquelo com uma puta voz negra e um bando de caipiras roqueiros fazendo o que há de melhor no bom e velho estilo southern rock, com direito a um cover do Free (Mr. Big) e uma dedicação a Frank Zappa (Left Coast Groovies).

A banda é: Warren Haynes - guitar, vocals, Allen Woody - bass (1994-2000), Matt Abts – drums, Danny Louis – keyboards, Andy Hess - bass.

A discografia segue abaixo, quando puder, escrevo sobre a trajetória dessa puta banda e dos Allmans Brothers... Ou não...

Gov't Mule, 1995
Live From Roseland Ballroom, 1996
Dose, 1998
Live ... With A Little Help From Our Friends, 1998
Life Before Insanity, 2000
The Deep End, Volume 1, 2001
The Deep End, Volume 2, 2002
The Deepest End, Live In Concert, 2003
Deja Voodoo, 2004
Mo' Voodoo (EP), 2005
High and Mighty, 2006
Live at Roseland Ballroom, 2007
Mighty High, 2007

Gov't Mule: lançado em 1995, o primeirão.

Arnaldo pós Mutantes e Loki

2008-02-29T09:34:00.005-03:00

Arnaldo & Patrulha do Espaço: Elo Perdido

Ainda estou criando coragem para escrever sobre essa figuraça do rock and roll brasileiro. A criação dos mutantes, o relacionamenteo com Rita Lee, a separação, Loki, Patrulha do Espaço, ala psiquiátrica do Hospital do Servidor Público de São Paulo, o acidente, a recuperação, o isolamento e as mãos dadas com a música. Um dia ainda escrevo... Ou não...

Glenn Hughes antes dos Purples

2008-02-28T16:09:00.005-03:00

Formado na Inglaterra, em 1969, o Trapeze - John Jones (vocal), Terry Rowley (teclados), Mel Galley (guitarra), Glenn Hughes (baixo) e Dave Holland (bateria) - estréia com um disco auto-intitulado, que só pode ter sido lançado em 1970. Logo em seguida, Jones e Rowley deixam a banda que passa a ser um power trio e aí a história começa.

Hughes assume os vocais, e continua no baixo e, juntamente com Mel Galley e Dave Holland, acabou se tornando o line-up mais conhecido e que representou os melhores momentos do Trapeze. Com essa formação eles lançaram três álbuns.

Em 1973 Jon Lord e Ian Paice, do Deep Purple, convidaram Glenn Hughes para substituir o baixista Roger Glover que havia deixado a banda ao lado do vocalista Ian Gillan e o resto da história todos conhecemos... Ou não...

Bom... Holland e Galley seguiram em frente com o Trapeze, que teve várias alterações mas continuou lançando álbuns regularmente. Em 1979, Dave Holland foi para o Judas Priest e, em 1982, Mel Galley ingressou no Whitesnake e, com isso, o Trapeze encerrou as atividades até 1990, quando Holland saiu do Judas Priest e remontou a banda que durou até 1994, quando a banda se separou de vez.

Trapeze: Meduza de 1970, o segundão da banda

Dio antes de ser Dio

2008-02-27T14:44:00.007-03:00

O Elf é a primeira banda de um dos maiores vocalistas de hard rock e heavy metal de todos os tempos: Ronald James Padavona, mais conhecido como Ronnie James Dio, o anão dos infernos.

Ainda nos anos 60 ele, David Feinstein (guitarra), Micky Lee Soule (guitarra e teclados), Craig Gruber (baixo) e Gary Driscoll (bateria) formaram a banda The Electric Elves, que depois passou a se chamar The Elves e, finalmente, Elf.

O primeiro álbum foi lançado em 1972 com produção do Deep Purple Roger Glover. O som é um rock n' roll com pitadas de blues e boogie, ou seja, quase nada do heavy metal que Dio viria a fazer anos depois.

Elf: o Primeirão

Em 1974 saiu "Carolina County Ball" (chamado "L.A. 59" nos EUA), que marcou a saída de David Feinstein, substituído por Steve Edwards.

Carolina County Ball: o Segundão

O terceiro e último álbum foi "Trying To Burn The Sun" de 1975. E o resto da história todos conhecemos... Ou não...

Trying To Burn The Sun: o Terceirão

Coloque no volume máximo...

Armstrong em solo lunar

2007-09-29T20:11:00.002-03:00

Seria radiofônico se houvesse Meios de Comunicação de Massa sem jabá. Seria reggae, se não fosse também o ragga, o pop, o dub e o ska. Seria original se, antes, Joe Strummer, não fosse assim tão criativo e visceral. Para “A Poet’s Life”, o disco solo de Tim Armstrong, só se tem uma definição: agradavelmente colossal

Esse cara é uma das grandes figuras musicais da atualidade, já tocou no Operation Ivy, e ainda toca no Rancid, que, reza a lenda, terá um disco pronto ainda em 2007 - estou esparando impacientemente - e no Transplants, que afinal, é um puta projeto.

Com certeza no, "A Poet's Life", os fãs de ska e reggae Jamaico-inglês com climão surf-punk-rock californiano vão pirar. Só para se ter uma idéia, o cara chamou os Aggrolites (banda que toca old school reggae com funk e soul) para serem o apoio no disco, ou seja, a melhor banda de reggae surgida nos últimos tempos. E, com ela, Tim Armstrong explora sonoridades que vão desde o "Ska 2 Tone" (The Specials e Cia), com tecladinhos jazzístico "Mod" inglês dos anos 60 e 70 e uma pitada de "Ragga" jamaicano, e vai até o reggae e todas as suas variáveis (skinhead reggae, dub, roots e etc...). O mais legal é que tudo isso se harmoniza numa musicalidade com pegada pop bem definida e agradavelmente colossal.

Tim Armstrong: A Poet's Life

Abra uma cerveja e ouça!

O silêncio pretensioso dos últimos dias

2007-09-20T12:16:00.001-03:00

Raiva, desespero, sofrimento e sede de morte, o filme “Last days”, de Gus Van Sant (Gênio indomável e Elephant) , consegue ser, ao mesmo tempo, chato e pretensioso. Sua temática é inspirada nos últimos dias de Kurt Cobain e faz referência ao poeta esquisito inglês William Blake, porém, sem seus ideais libertários e visões de anjo. Muito pelo contrário, o personagem central, interpretado por Michael Pitt é alienado e introspectivo. As suas visões são estereótipos da “Divina comédia” e seu mundo doentio como uma civilização empesteada. A falta de diálogos e ritmo lento leva o espectador a essa sensação. É nítida a intenção sacra e poética do silêncio habitada no filme, que o coloca numa ambientação próxima do documental e é essa falsa idéia que o torna enfadonho e afetado feito um tique nervoso de um dependente químico alucinado.

O apelo religioso, a mansão em ruínas imitando um castelo medieval, bem que lembram as ilustrações de Willian Blake e o período em que vivia Dante. O clima e as cores são totalmente europeus, ou uma Seattle recortada no imaginário místico de uma América solitária e depressiva que se amplifica com as visitas dos jovens mórmons, que transmitem no olhar medo, curiosidade e vontade se serem devorados e a aparição de um vendedor de anúncios nas páginas amarelas da lista telefônica frio, calculista, utilitarista e pragmático. De alguma forma é um raios-X no seio do estilo de vida norte americano: o imaculado trágico abismo de languidez, solidão, desespero e abuso de drogas, de um povo que impotentemente domina o mundo.

Uma boa crítica do filme está no: Pasmos Filtrados

Sobre o diretor Gus Van Sant na: Revista Época online

30 anos de Bad Brains

2007-06-06T12:32:00.002-03:00

Build a Nation

O novo álbum do Bad Brains, “Build a Nation”, tem a produção de Adam Yauch, dos Beasties Boys e conta com a sua formação original: o rastaman de voz poderosa e atitudes punks nos palcos H.R., o virtuoso criador de várias frases de guitarra Dr. Know, o baixista marcador pesado Darryl Jenifer e o baterista de mãos nervosas nas partes rápidas e punhos precisos nos reggaes Earl Hudson. Esse é o primeiro do grupo desde 1995, quando foi lançado “God of Love”, que, diga-se de passagem, também é um discaço.

O Bad Brains é uma das bandas primordiais do punk rock e a previsão para o lançamento de seu álbum é dia 26 de julho, mas já pode ser encontrado no soulseek desde jah (putz, trocadilho horroroso).

O disco é fenomenal, tem o dedo Beastie Boy de Adam, que evidenciou na banda o que eles já vinham procurando: um toque dub contemporâneo, mas sem perder a pegada HC. Com a modernice, a banda ganhou um coro vocal maravilhoso com direito a muito eco e sobreposições de guitarras. A marcação firme e auto-sustentável da junção baixo e bateria continua como sempre: implacável. O disco é recheado de hc, reggae e punk rock.
As faixas de “Build a Nation” são:

01. Give Thanks and Praises
02. Jah People Make the World Go Round
03. Pure Love
04. Natty Dreadlocks ‘pon the Mountaintop
05. Build a Nation
06. Expand Your Soul
07. Jah Love
08. Let There Be Angels (Just Like You)
09. Universal Peace
10. Roll On
11. Until Kingdom Comes
12. In the Beginning
13. Send You No More Flowers

14. Peace Be Unto Thee

Bad Brains: Build a Nation

*Histórico da banda

Considerada como uma das mais influentes, essa banda americana formada em Washington, DC em 1977, completa 30 anos de muita quebradeira. Eles são considerados os pioneiros do Hardcore ao misturar jazz fusion com punk rock acelerado, intenso e musicalmente mais complexo que os seus contemporâneos. E não pararam aí, na década de 80 eles foram os primeiros a fazer a fusão do heavy metal com o funk, além de serem adeptos da música reggae e seguidores do Rastaffari.

Na verdade tudo começou assim: O grupo foi formado com o nome de Mind Power pelo guitarrista de jazz fusion Dr. Know (vulgo Gary Miller) em 1977, que chamou o vocalista Sid McCray, o baixista Darryl Jennifer e o baterista Earl Hudson. O som inicialmente era basicamente Funk e Jazz Fusion. Ainda em 1978, o vocalista apresenta o punk rock para o resto da banda, que já andava escutando Black Sabbath. Isso mudou toda a percepção da banda, que mudou o nome para Bad Brains, título de uma música dos Ramones.

Antes de a banda gravar, McCray é substituído por H.R, irmão do baterista. Foi nesse período que eles se converteram ao Rastafari. Suas perfomances sempre foram lendárias e eles usavam a raridade como estratégia de divulgação, pois suas gravações eram difíceis de serem achadas. O primeiro single 'Pay To Cum', foi prensado em poucas cópias e em 1982 o álbum “debut” foi lançado apenas em formato de fita cassete, intitulada 'ROIR'. Em seguimento ao lançamento da fita, o grupo lançou outros EP's até chegar em 1982, ano que são contratados pela gravadora PVC lançando logo em seguida o clássico album 'Rock For Light', que foi produzido por Ric Ocasek (ex-integrante do grupo new-wave The Cars).

Com os gloriosos tempos de banda independente para trás, os shows começaram a ficar para trás também, fazendo assim a banda lendária no Hardcore Americano, pois poucos fãs podiam realmente escutar a banda devido a fraca distribuição do álbum e um agendamento para shows quase nulo. A banda demorou quase três anos para lançar outro álbum de estúdio, mas finalmente em 1986 sai o clássico 'I Against I'. Neste tempo de pausa de um álbum para o outro, o grupo desenvolveu influências de heavy metal e o resultado disso é que o álbum foi severamente criticado e os fãs do começo da banda, torceram o nariz para essas mudanças.

No caso, isso acabou também dividindo a banda com Dr. Know e Daryl desejando a procura de um rock mais pesado e do outro lado, H.R e Earl Hudson procurando devotar-se ao reggae. Mais ou menos três anos depois, H.R e Hudson acabaram saindo para fazer álbuns de reggae, e em 1989 eles são substituídos por Israel Joseph-I (Dexter Pinto) e pelo ex-Cro-Mags Mackie Jayson, respectivamente. Logo em seguida sai dois álbuns ao vivo, um pela gravadora PVC e um independente.

Ainda em 1989 sai o 'Quickness', que, com sua sonoridade mais pesada, influenciada pelos intercâmbios entre o hardcore e o metal, desagradou os que esperavam por algo como o disco anterior. Ainda assim, a maioria dos fãs considera "Quickness" um clássico. Uma curiosidade é que a banda começou a gravar o disco com outro vocalista (vide as discordâncias do parágrafo anterior), mas HR e seu irmão Earl voltaram à banda a tempo de regravar os vocais. Como não era possível regravar a bateria, o disco conta com Mackie Jay nos tambores.

Com a explosão do rock alternativo nos anos 90, finalmente o Bad Brains assinou com uma gravadora grande, a Epic-Sony. Naquele começo de ano foi lançado o album 'Rise'. O álbum foi um fracasso de vendas e a banda foi despedida da gravadora. Alguns anos depois, assinou com a Maverick Records, mas com um porém, só faria o disco com a formação original. E assim é lançado 'God Of Love' em 1995, com péssimas críticas e vendas fracas. Logo depois do lançamento do álbum, H.R e Hudson saíram novamente e por caso de um contrato medonho, a banda perdeu o direito a usar seu nome original, fato que gerou fortes críticas à gravadora. Em 1998, o grupo voltou a tocar com a formação clássica só que com o nome “Soul Brains”.

*Informações coletadas na:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Bad_Brains

"Smetak, Smetak e Musak e Razão"

2007-06-05T13:26:00.003-03:00

Anton Walter Smetak, suíço de nascimento - Zurique, 12 de fevereiro de 1913 – e baiano de escolha – Morreu em Salvador no dia 30 de maio de 1984 -, foi um músico exepcional e influenciou uma geração de ídolos nascionais como Gilberto Gil, Caetano Veloso e Marco Antônio Guimarães. De dedicação, inicialmente, à música clássica, um exímio violoncelista, ele chegou ao Brasil em 1937.

Também compositor, escritor, escultor e construtor de instrumentos musicais, Smetak lecionou na Escola de Música da Universidade Federal da Bahia e fundiu vários elementos eruditos e populares, incrementando o ruído como uma ferramenta sonora. Ele acreditava que nem todo som precisava ser música. E foi com esse princípio que seguiu em sua jornada de pesquisa e confecção artesanal de seus instrumentos, que, acima de tudo, são verdadeiras obras de arte inseridas num suspiro filosófico.

Filho de checos, Smetak desde cedo teve contato com a música. Seu pai era tocador de cítara e foi seu primeiro professor. Embora desejasse tocar piano, um acidente que tirou a coordenação de sua mão direita fez com que estudasse violoncelo. Formou-se no Mozarteum de Salzburg e tornou-se concertista em 1934 no Conservatório de Viena, junto a Pablo Casals.

Contratado por uma Orquestra Sinfônica de Porto Alegre, que ele só descobriu que não existia após sua chegada ao Brasil, em 1937, passou a viver em São Paulo e no Rio de Janeiro, tocando em festas, cassinos e orquestras de rádio. Nesse período, acompanhou cantores em gravações e chegou a tocar com Carmem Miranda.

Ele se mudou para Salvador apenas em 1957, quando foi chamado pelo maestro e compositor alemão Hans Joachim Koellreuter, para ser pesquisador e professor da cadeira “som e acústica” da UFBA. Foi quando conheceu a teosofia e passou a realizar pesquisas sonoras. Construiu uma oficina onde criava instrumentos musicais com tubos de PVC, cabaças, isopor e outros materiais pouco usuais. Alguns dos instrumentos não têm utilidade puramente musical. São esculturas influenciadas por sua forma mística de encarar a música e as estruturas. Ao longo de sua permanência na universidade, o músico construiu cerca de 150 instrumentos, os quais chamou de "plásticas sonoras". Além disso atuou como violoncelista na Orquestra Sinfônica da Universidade Federal da Bahia e também foi escultor e escritor. Participou em 1967 da I Bienal de Artes Plásticas de Salvador e escreveu mais de 30 livros e três peças teatrais.

A partir de 1969, a sua oficina passou a ser freqüentada por Gilberto Gil – que além de aluno passou a ser seu amigo -, Rogério Duarte e Tuzé de Abreu, Gereba, Djalma Correia e Marco Antônio Guimarães. Para executar seus instrumentos, a maioria de execução coletiva, criou, com os alunos da universidade, o "Grupo de Mendigos", que realizou apresentações na Bahia e em São Paulo.

Smetak acreditava que a música microtonal era superior à tonal e construiu ou adaptou muitos instrumentos para a execução desse tipo de música. Para muitos teóricos, essa é a sua maior contribuição para a história da música brasileira, e, quem sabe, mundial. Faleceu no dia 30 de maio de 1984, em Salvador. Suas "plásticas sonoras" encontram-se em exposição na Biblioteca Reitor Macedo Costa, no Campus de Ondina, Salvador.

O escritor Augusto de Campos lembra que Smetak é um ano mais novo que o músico, também experimentalista, norte-americano John Milton Cage. E lamenta que seu primeiro disco (Philips 6349-110) só veio a ser gravado em 1974, produzido por Roberto Santana e Caetano Veloso e montado por Caê e Gil, o LP recebeu um tratamento excepcional até no seu aspecto gráfico, com a bela capa dupla que teve orientação visual de Rogério Duarte. “Não fora o apoio dos baianos, provavelmente Smetak seria até hoje ignorado”, afirma Campos em seu texto “Smetak para quem souber”, que denuncia a falta de memória e de atenção que damos à arte brasileira.

Smetak

Fontes:

http://old.gilbertogil.com.br/smetak/taktak1.htm

http://pt.wikipedia.org/wiki/Anton_Walter_Smetak

Antibalas: a fusão do Brooklyn

2007-06-04T15:44:00.002-03:00

Sem sombra de dúvidas que a internet é uma “arma quente” na mão dos ansiosos. Ela ascende, derruba, inventa, mostra, vicia, dilui, machuca e alivia. Não tenho muito saco para a hiperinformação, confesso que não tenho nenhuma paciência para navegar ao léu, fuçar a vida dos outros no orkut, baixar programas e fazer update, bater boca em blog e perder tempo no msn. Eu a utilizo para pesquisar o que ainda não achei nas revistas, nos livro, ou quando não tenho grana (aliás, esse é o maior motivo para o uso dessa ferramenta). Mas, mesmo assim, tenho lá as minhas devassidões, e baixar música é uma delas. Porém o faço com critérios: busco informações, pesquiso cenários e bandas, entro em alguns fóruns e, quando necessário, pergunto para algum navegante moribundo especialista.

Foi assim que eu conheci o “Antibalas Afrobeat Orchestra”, em 2004, ao pesquisar sobre a cena musical novaiorquina. Na época, eles estavam lançando o disco “who is this america”. O “Antibalas” é uma banda de afrobeat (gênero popularizado nos anos 70 pelo nigeriano Fela Kuti, que morreu de Aids em 1997) do Brooklyn, NY - EUA, que mistura, desde 1998, música latina, yorubá (parecido com o do candomblé), dub, jazz e funk. Além dessa salada, o que construiu uma sonoridade original, uma outra característica do grupo são os inúmeros discursos políticos que tomam conta de suas apresentações ao vivo e as prolongadas jams sessions com15, 20 e até 25 minutos de duração.

A banda acabou de lançar o seu quarto disco: "Security". O álbum tem a co-produção de John McEntire, do Tortoise. A escola musical do grupo vem das festas organizadas no Brooklin - bairro onde ainda residem. Segundo crítica de Rodrigo Silveira, um dos fundadores do Selo Instituto, o último álbum da banda é explosivo e polirrítmico, “estão ali as frases de metais bem demarcadas, a linha de baixo e a bateria quebradas, soprando as brasas, mantendo um calor setentão, mas estão presentes, também, alguns sons sobrenaturais, que assombram muitos discos do Tortoise”.

Eu prefiro os três primeiros (Talkatif, Liberation Afro Beat vol-1 e Who is This América), acho mais sem frescuras e mais afro-latino, sem muita papagaiada de efeitos sinistros e climinhas para chill-outs.

Antibalas: Security